BonaMusica

A Criação de Haydn

2007-04-05T23:50:00.000+01:00

A CRIAÇÃO, DE HAYDN

Felizes estes homens que podiam escrever da Criação,
confiadamente compor-por mais dores que sofressem
enquanto humanos e como seres viventes-
tão jubilantes cânticos do criar do Mundo.

Era belo, era bom, era perfeito o Mundo.
É certo que o cantavam quando apenas criado,
e o par humano pisava sem pecado
o jardim paradisíaco.

Nós nem mesmo em momentos únicos,
raríssimos, epifânicos
-e não só por não crermos no pecado-,
não podemos.

Jorge de Sena
Londres, 8/3/1973

Coro Vollendet ist das grosse Werk
(A grande obra está terminada),
da 2ª parte da obra A Criação de Joseph Haydn -
int. da Orquestra Filarmónica de Viena
dirigida pelo Maestro Riccardo Muti

Têm estado a ouvir um dos coros da Oratória A Criação de Joseph Haydn, uma peça que se inclui na última fase da obra deste compositor. A estreia, para o grande público, teve lugar a 19 de Março de 1799, no Burgtheater de Viena, tendo a orquestra sido dirigida pelo próprio Haydn.
A Criação é composta por 3 partes. A primeira delas inicia-se com um prólogo intitulado Die Vorstellung des Chaos (A Representação do Caos). Seguidamente, o anjo Gabriel anuncia o primeiro dia da criação, no qual surgiu a luz. Acompanhando o texto, a orquestra e o coro interpretam uma indrodução lenta que, ao chegar à palavra Licht (Luz), subitamente se transforma numa radiosa e forte cadência. Esta parte termina com um célebre e poderoso coro Die Himmel erzählen die Ehre Gottes (Os céus contam a glória de Deus) que integra uma fuga, tal como é hábito no período clássico.
A segunda parte descreve os quinto e sexto dias, nos quais foram criados os animais e o homem. Mais uma vez a música acompanha a acção, podendo-se assim ouvir vários animais, como pássaros, peixes, um leão, um cavalo, vacas, ovelhas e até uma minhoca rastejando na terra.
Na terceira parte, a acção decorre no Paraíso, onde Adão e Eva interpretam um dueto amoroso Holde Gattin, dir zur Seite (Adorável esposa, a teu lado), com influências operáticas. Esta terceira parte e a peça terminam com o Coro Singt dem Herren alle Stimmen! (Que todas as vozes cantem ao Senhor!) que poderão ver abaixo. Este coro inicia-se com uma introdução lenta e prossegue com uma fuga dupla, acabando de modo grandioso.

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Coro final Singt dem Herren alle Stimmen!

A Criação conheceu um grande sucesso, ainda em vida do compositor, tendo sido nessa altura apresentada nos principais países europeus e nos EUA. Actualmente, continua a ser considerada uma das obras corais sinfónicas mais importantes.

Dança conosco? :)

2007-01-08T17:52:00.000Z

Ohne Bremse - Eduard Strauss

Como é costume desde 1939, realizou-se no dia 1 de Janeiro de 2007 o célebre Concerto de Ano Novo da Orquestra Filarmónica de Viena na Sala Dourada da Musikverein, como sempre, magnificamente decorada com flores oferecidas pela cidade de San Remo.
Como também é habitual, a orquestra, dirigida pelo maestro Zubin Mehta, executou valsas, polkas e marchas de Johann Strauss II, de seu pai Johann Strauss I e dos seus irmãos Josef e Eduard. É justamente deste último, e menos conhecido compositor desta célebre famíllia de músicos, que estão a ouvir a polka Ohne Bremse. O concerto terminou, como manda a tradição, com a conhecida marcha Radetzky.
Poderão ver a seguir a valsa Danúbio Azul, também uma peça obrigatória nestes concertos de Ano Novo, dançada pelos bailarinos da Staatsoper e da Volksoper de Viena e filmada nos salões do Palácio de Schönbrunn.
Assim, juntando-nos aos músicos e ao maestro, dizemos a todos: Prosit Neujahr!

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Valsa Danúbio Azul - Johann Strauss II
Orquestra Filarmónica de Viena - Maestro Zubin Mehta
Bailarinos da Staatsoper e da Volksoper de Viena

Por motivos profissionais, somos forçados a fazer uma pequena pausa no BonaMusica. Não é o fim do blog e tentaremos, caso tenhamos oportunidade, colocar novos posts de vez em quando. Agradecemos a todos que passaram por aqui as vossas visitas e amáveis palavras de encorajamento.

Até à próxima :)

O Natal não é só um dia :))))

2006-12-27T10:06:00.000Z

12 days of Christmas - Swingle Singers

25 de Dezembro
On the first day of Christmas, my true love sent to me
a partridge in a pear tree

26 de Dezembro
On the second day of Christmas, my true love sent to me
two turtle doves

27 de Dezembro
On the third day of Christmas, my true love sent to me
three french hens

28 de Dezembro
On the fourth day of Christmas, my true love sent to me
four calling birds

29 de Dezembro
On the fifth day of Christmas, my true love sent to me
five gold rings

30 de Dezembro
On the sixth day of Christmas, my true love sent to me
six geese a-laying

31 de Dezembro
On the seventh day of Christmas, my true love sent to me
seven swans a-swimming

Boa passagem de Ano!

1 de Janeiro
On the eighth day of Christmas, my true love sent to me
eight maids a-milking

Feliz 2007!

2 de Janeiro
On the ninth day of Christmas, my true love sent to me
nine ladies dancing

3 de Janeiro
On the tenth day of Christmas, my true love sent to me
ten lords a-leaping

4 de Janeiro
On the eleventh day of Christmas, my true love sent to me
eleven pipers piping

5 de Janeiro
On the twelfth day of Christmas, my true love sent to me
twelve drummers drumming

Para mais informação sobre este período, entre a noite do dia 25 de Dezembro e a manhã do dia 6 de Janeiro, clique aqui.

Bom Natal!

2006-12-24T16:18:00.000Z

Excerto do 1ºandamento da Oratória do Natal de J.S.Bach

Agradecemos a todos aqueles que tiveram a amabilidade de nos visitar durante este ano e desejamos

Bom Natal

e um

Feliz Ano Novo.

A caminho do Romantismo :)

2006-12-17T00:35:00.000Z

Ave verum corpus de W.A.Mozart

Esta peça foi composta por Mozart em 1791, poucos meses antes da sua morte, a 5 de Dezembro desse ano. Embora a obra se destinasse a celebrar o dia do "Corpo de Cristo", é habitual ser interpretada na época do Natal.
O texto, que poderão ler a seguir, data da Idade Média e foi musicado por vários compositores. A versão mais conhecida é a de Mozart.

Ave verum corpus, natum
De Maria Virgine,
Vere passum, immolatum
In cruce pro homine,
Cuius latus perforatum
Unda fluxit sanguine,
Esto nobis praegustatum
Mortis in examine.

Como já referímos, esta composição data do último ano da vida de Mozart e, assim, possui já algumas características estilísticas do Romantismo. Com efeito, nela ouvem-se passagens cromáticas (=intervalos de meios tons) e até dissonáncias.
Para poderem identificar estes momentos com mais facilidade, poderão ouvir, no botão abaixo, 3 exemplos, tocados em piano e cordas. Estas sequências de acordes são semelhantes às que poderemos encontrar, por exemplo, em Brahms ou até em Wagner. Assim, poder-se-á dizer que nesta obra se notam, efectivamente, prenúncios do Romantismo.

A propósito de Mozart, abriu esta semana, no âmbito das comemorações dos 250 anos do seu nascimento, um novo site que proporciona o acesso gratuito a todas as partituras deste compositor. Refira-se que no primeiro dia o sucesso foi tal, que o site não aguentou com tantos visitantes e teve que ser ampliado.

Apenas uma nota final para lembrar que se comemora hoje, dia 17 de Dezembro, os 100 anos do nascimento do compositor português Fernando Lopes Graça.
Durante todo o dia, haverá uma maratona de concertos em vários locais do país. Às 21h00, será transmitido em directo, pela Antena 2, o concerto que terá lugar na Aula Magna da Universidade de Lisboa e em cujo programa estão incluídas as Canções Heróicas e Regionais.

Wise Guys

2006-11-27T23:33:00.000Z

Está prometido, já há algum tempo, um post sobre o grupo vocal alemão, célebre nos anos 30, Comedian Harmonists, mas, por falta de tempo, não foi ainda possível realizá-lo. Lembrámo-nos assim de divulgar um outro grupo vocal, também alemão, um pouco mais recente :), os Wise Guys.
Vão ter oportunidade de os apreciar em duas interpretações. A primeira é um Lied muito conhecido, em português Olho Dourado, e a segunda, uma canção folclórica alemã cuja letra é muito complicada, daí o não a termos conseguido traduzir. Pelo facto apresentamos as nossas desculpas :).
Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Não é só na Alemanha que existem grupos vocais a capella. Quem viu o penúltimo programa do Gato Fedorento, com certeza terá notado a actuação dos Vozes da Rádio :)) O que é Nacional também pode ser bom...

Una voce poco convencional:)

2006-11-13T23:07:00.000Z

A propósito do visionamento do excerto de um espectáculo do famoso pianista humorístico Victor Borge no YouTube, lembrámo-nos de colocar um post sobre um seu seguidor, o holandês Hans Liberg.
Vão poder vê-lo aqui, durante uma actuação na Alemanha, mas, dada a natureza do sketch, julgamos que não haverá grandes problemas de compreensão. Juntamente com um soprano, recria, de um modo bem-humorado, a conhecida ária do 1º Acto, Cena IX, da ópera O Barbeiro de Sevilha, "Una voce poco fa". Nesta cena, Rosina, pupila do Dr. Bartolo, por quem o Conde de Almaviva está apaixonado, encontra-se no seu quarto e pretende enviar uma mensagem, possivelmente através de Figaro, a um jovem que se encontra debaixo da sua janela e que ela conhece com o nome de Lindoro.

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Divirtam-se e não se esqueçam de apreciar o vestido da cantora que deve ter sido tão caro, que não lhes sobrou dinheiro para os sapatos :))))))

Estará na lista? :))))))))))))))

2006-11-02T23:56:00.000Z

Rejouissance da Suite Música para os Reais Fogos de Artifício de G.F.Händel

Com certeza, ultimamente, terão ouvido esta peça frequentemente. Com efeito, ela foi escolhida como música do genérico do programa Os Grandes Portugueses e de alguns spots promocionais. Trata-se de um andamento, intitulado Rejouissance, da Suite Música para os Reais Fogos de Artifício de G.F.Händel. Esta peça foi composta no reinado de George II de Inglaterra, em 1749, e destinou-se a comemorar o Tratado de Paz de Aix-la-Chapelle que pôs fim à Guerra de Sucessão Austríaca. Nessa ocasião, efectuou-se um concerto em Green Park, Londres, durante o qual se ouviu esta obra e foi lançado fogo de artifício, daí o seu nome.
Sem contestar, evidentemente, a beleza e o valor da peça, é curioso que não tenha sido escolhido para o referido genérico um excerto de uma obra de um compositor português. Também para os spots promocionais que passaram na Antena 1, a escolha recaiu de novo em Händel, neste caso na peça Chegada da Rainha de Sheba. Parece óbvio que os autores preferem música do período barroco :) Sendo assim, porque não terão utilizado, por exemplo, obras de Carlos Seixas? Este está na lista :))))

Concerto para Cravo e Orquestra em Lá de Carlos Seixas

A nossa sugestão, em alternativa a Händel.

"We are not here to dominate, but to learn and to serve..." - Yehudi Menuhin

2006-10-24T23:09:00.000+01:00

Excerto do 3ºandamento da 9ªSinfonia de L.v.Beethoven

Julgamos que neste momento já todos sabem quem é o menino da foto:) Pois é verdade, trata-se do grande violinista e pedagogo, Yehudi Menuhin.
Continuando a responder às perguntas deixadas no fim do último capítulo, ele está naturalmente a olhar para o violino por razões óbvias. Quanto à sua ligação com Beethoven, embora evidentemente tenha interpretado obras deste compositor, o que nos interessa hoje é a sua regência das sinfonias de Beethoven, nomeadamente da Nona.
Nos vídeos abaixo, poderão ver fases de um ensaio desta sinfonia, intercaladas numa conversa com Wim Kayser, o realizador de um famoso programa de televisão holandês, intitulado Van de Schoonheid en de Troost (Do Belo e da Consolação), no qual foram entrevistadas várias personalidades das áreas das artes e das ciências. Alguns destes episódios têm sido apresentados pela SIC, infelizmente quase de madrugada. Esta entrevista foi efectuada pouco antes de Yehudi Menuhin falecer, o que, como saberão, ocorreu em Berlim, em 1999.
Antes de passarmos a palavra ao mestre, gostaríamos de explicar que do programa original foram compilados cerca de 30 minutos, que, por razões de ordem técnica, não foi possível colocar num só vídeo. Daí a existência de 3 vídeos diferentes que poderão ver um a seguir ao outro.

Deixem-se embalar pela magia da música e das palavras. Esperemos que gostem :)

Para visualizar estes vídeos, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Parte 1

Parte 2

Parte 3

Beethoven, pela primeira vez :)

2006-10-16T23:30:00.000+01:00

Excerto do 3ºandamento da 9ªSinfonia de L.v.Beethoven

Numa recente conversa, os membros deste blog verificaram que ainda não tinha havido um post com música de Beethoven. Assim, resolvemos remediar esta falta.
Juntamente com Haydn e Mozart, Beethoven faz parte da chamada 1ªEscola de Viena, ligada ao período clássico. Posteriormente, viria a existir uma 2ªEscola de Viena, com Schönberg, A.Berg e Webern, associada ao serialismo e ao atonalismo.
Como é amplamente conhecido, Beethoven, para além de concertos para piano e orquestra, concertos para violino e orquestra, quartetos de cordas, sonatas para piano e uma ópera, compôs 9 sinfonias, das quais a nona é provavelmente a sua obra musical mais conhecida.
Esta sinfonia é composta por 4 andamentos, sendo o último constituído por diversos géneros musicais, desde o coral até à fuga, tendo por base o sobejamente conhecido tema normalmente denominado como O Hino da Alegria. Muitas vezes, apenas se presta atenção a este último andamento, esquecendo um pouco os outros que, tal como este 3º andamento, Adagio molto e cantabile - andante moderato, são também belíssimos.
A fim de não tornar o ficheiro demasiado grande, seleccionámos o início do andamento, no qual é possível apreciar uma das melhores orquestrações para sopros de madeira (flautas transversais, oboés, clarinetes, fagotes) jamais efectuada.
No próximo post, continuaremos a focar esta obra e temos uma pequena surpresa. :)

Quem será este menino? Por que olha tão fixamente para aquele instrumento? Qual a sua relação com Beethoven? Veja a resposta a estas e a outras perguntas nas cenas dos próximos capítulos da sua novela A Nona Sinfonia. :)))

Mais ritmo :)))

2006-10-02T21:50:00.000+01:00

I got Rhythm de G. Gershwin - Int. Gene Kelly

Já analisámos anteriormente algumas características do ritmo na música. Hoje, com a ajuda dos mesmos professores que já viram no outro dia, pretendemos demonstrar que para existir música não é necessário esta possuir melodia. No vídeo abaixo, encontrarão um exemplo de uma música sem melodia, totalmente tocada em instrumentos de altura indefinida (nome técnico dos instrumentos com os quais não é possível tocar as notas da escala), neste caso sofisticados instrumentos de madeira que formam com os músicos um conjunto uno e coeso.

O Provedor do BonaMusica adverte que estas são imagens eventualmente chocantes, especialmente para os membros de associações protectoras do caruncho, e que os espectadores não deverão tentar reproduzir estes exercícios em suas casas!

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Grupo Fourschlag

T.P.C. Bater os compassos binário e quaternário simultaneamente com este vídeo :))
(Brunette, podes já começar a treinar)

Regresso às aulas :)))))

2006-09-19T19:48:00.000+01:00

Versão dos Swingle Singers das Variações para piano Ah! Je vous dirai, Maman, K.265, composta por Mozart com base no tema tradicional Twinkle Twinkle Little Star.

Sumário:
Audição de uma peça de Mozart.
As claves.
A clave de sol, a clave de fá e a clave de dó.

O que é uma clave?
Uma clave é o sinal que indica a posição das notas na pauta e que se coloca no início de todas as linhas da mesma.

Quantas claves existem?
Actualmente, existem 3 claves. Para além da mais conhecida clave de sol, existem ainda a clave de fá e a de dó. As várias claves correspondem a registos diferentes. Assim, a clave de sol é normalmente utilizada para o registo agudo, a de dó para o registo médio e a de fá para o registo grave.
Conforme os instrumentos, é utilizada uma clave adequada ao respectivo registo. A clave utilizada numa peça, por exemplo, para violoncelo é normalmente a de Fá. Para violino, geralmente utiliza-se a de Sol. Os sacrificados dos pianistas são obrigados a tocar peças com duas claves diferentes simultâneas: a de sol na mão direita e a de fá na mão esquerda. :)))))))))

Uma figura colocada sobre a mesma linha da pauta pode assim significar uma nota diferente, conforme a clave que se encontra no início da pauta. Vejamos os seguintes exemplos:

Como se pode ver, a nota Sol na clave de sol é um Si na clave de fá ou ainda um Lá na clave de Dó.

Trabalho de casa:
Cantar a canção da aula em voz alta, com o nome das notas.
Desenhar 40 claves de sol, 20 claves de fá e 10 claves de dó.
Completar as figuras, escrevendo o nome de cada uma das claves correspondentes. :)))))))

Imagens fresquinhas:)) da Last Night of the Proms 2006

2006-09-13T00:50:00.000+01:00

Hornpipe: Jack’s the Lad - Henry Wood

Teve lugar no passado Sábado, dia 9 de Setembro, no Royal Albert Hall de Londres, o tradicional concerto que encerra a temporada dos concertos Promenade. Como já tem vindo a ser hábito, para além do palco principal nesta sala, foram instalados palcos em Swansea, Glasgow e Belfast, respectivamente no País de Gales, Escócia e Irlanda do Norte.
Este ano, a orquestra foi dirigida por Mark Elder que manteve em vários momentos um diálogo animado com os espectadores e efectuou um discurso recheado de piadas bem típicas do humor britânico.
Poderão consultar o programa completo do concerto aqui. Dele, escolhemos, devido a pertencer a um estilo de música menos habitual, a peça Bullanguera, interpretada pela violinista Viktoria Mullova, e ainda o célebre Jerusalem que, como sempre, foi acompanhado por todo o público.

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Colocação da coroa de louros no busto de Sir Henry Wood, Bullanguera e Jerusalem

E agora, como sucede no fim do concerto, vamos todos dar as mãos e cantar o Auld Lang Syne :))))))))

Festival de Salzburgo de 2006

2006-09-03T23:50:00.000+01:00

Excerto da Abertura da Ópera As Bodas de Figaro de Mozart

Para o primeiro post depois das férias, os repórteres do BonaMusica deslocaram-se a Salzburgo :))))))), a fim de efectuar a reportagem do primeiro espectáculo do Festival de Música deste ano, o qual inaugurou simultaneamente o novo espaço denominado Haus für Mozart / Casa para Mozart. Como não podia deixar de ser, foi escolhida uma obra deste compositor, a célebre ópera As Bodas de Figaro.
Composta em 1786, com libretto de Lorenzo da Ponte, esta ópera em 4 actos basea-se na comédia de enganos homónima de Beaumarchais. Com efeito, a ópera possui um dos enredos mais complicados de sempre, repleto de peripécias e reviravoltas na acção. É difícil explicá-lo em poucas palavras, tal como concluiu o autor deste esquema :))))))))))

Carregar para ampliar

Quem desejar embrenhar-se nas teias desta complicada intriga, que decorre durante um só dia, poderá consultar aqui um site que explica detalhadamente os actos da ópera.
Nela aparecem vários personagens, dois dos quais em particular, o Conde de Almaviva e Figaro, sobejamente conhecidos mesmo daqueles que são pouco amantes de ópera. Quem não ouviu já falar da célebre ópera Barbeiro de Sevilha do compositor G.Rossini (1792-1868), onde se assiste às peripécias da corte feita pelo Conde à sua amada Rosina, com a ajuda de Figaro? Com efeito, ambos os compositores se inspiraram em peças de teatro de Beaumarchais. Não esquecer, contudo, que, embora a acção das Bodas de Figaro decorra após vários anos de casamento dos Condes de Almaviva, a ópera de Mozart é cerca de 30 anos anterior à de Rossini.

Um dos aliciantes deste espectáculo, apresentado no passado mês de Julho em Salzburgo (a ficha técnica completa está aqui - quando abrir carregar, à direita, na palavra "cast"), foi a participação da famosa soprano Anna Netrebko que interpretou o papel de Susana. Como inovação, o encenador criou uma personagem extra, muda, vestida com trajes semelhantes aos do pajem Cherubino, mas com asas, simbolizando assim Cupido, ou, em sentido mais lato, o Amor. O tom geral da encenação é austero e sombrio, "strindberguiano", procurando transmitir ao espectador os sentimentos mais íntimos das personagens.

Poderão ver abaixo a ária completa Voi che sapete e um outro vídeo com vários excertos deste espectáculo transmitido em directo pela ARD.

Para visualizar estes vídeos, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Ária Voi che sapete - int. de Christine Schäfer (embora a personagem de Cherubino seja masculina, esta é habitualmente interpretada por um soprano)

Excertos da ópera

Uma pequena pausa :)

2006-08-11T22:40:00.000+01:00

Fizémos um pequeno intervalo nas férias para lembrar a célebre soprano Elisabeth Schwarzkopf, recentemente falecida, e ainda para nos juntarmos às comemorações dos 50 anos da morte de Bertold Brecht (14/8/1956-2006), pois, devido à sua estreita colaboração com compositores como Kurt Weill e Hans Eisler, julgamos que este poeta e dramaturgo se integra perfeitamente na temática deste blog.

Elisabeth Schwarzkopf (1915-2006)
Poderão ouvir aqui o Lied de Schubert/Hölty, Seligkeit

Bertolt Brecht (1898-1956)

B.Brecht e K.Weill

"Ich benötige keinen Grabstein, aber
Wenn Ihr einen für mich benötigt
Wünschte ich, es stünde darauf:
Er hat Vorschläge gemacht. Wir
Haben sie angenommen.
Durch eine solche Inschrift wären
Wir alle geehrt."

"Não necessito de lápide, mas
Se necessitarem de uma para mim
Gostaria que nela estivesse:
Ele fez sugestões
Nós aceitámo-las.
Através de tal inscrição
seríamos todos honrados."

Da célebre ópera A Ascensão e Queda da Cidade de Mahagonny, de Brecht/Weill, numa produção de 1998 apresentada no Festival de Salzburgo com encenação de Peter Zadek, escolhemos a Alabama Song. No papel de Jenny, a cantora Catherine Malfitano.

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Beijinhos para todos e continuação de boas férias, se for o caso, que nós vamos também continuar as nossas :))).

Here's looking at you, kids :)

2006-07-20T15:50:00.000+01:00

Excerto da banda sonora do filme Casablanca composta por Max Steiner. Para ver informações acerca deste compositor clicar
aqui e aqui.

Vamos fazer uma pausa para férias, durante a qual vos deixamos com mais uma interpretação dos 12 Violoncelistas da Orquestra Filarmónica de Berlim, numa versão especial... :)

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado. Não se esqueça de desligar a música de fundo no botão acima.

As time goes by de Herman Hupfeld e Wilhelm Kaiser-Lindemann - Interp. 12 Violoncelistas

"We think this is (já mais do que) the beginning of a beautiful friendship" :)
Desejamos a todos boas férias e, como diz um amigo, abreijos!

Sobre o órgão

2006-07-12T23:45:00.000+01:00

Depois do cravo, do sousafone e do violoncelo chegou a vez de falarmos do órgão, segundo muitos estudiosos, o instrumento musical mais complexo de todos.

O órgão, surgido na Antiguidade Clássica, também chamado órgão de tubos, é um aerofone, ou seja a produção do som é efectuada através do ar. Naquela época, havia órgãos que funcionavam através da pressão do ar e outros hidráulicos, os quais actualmente já não se utilizam.

Para controlar os sons produzidos, existe um sofisticado sistema de tubos ligado a vários teclados. Geralmente, existem dois para serem tocados pelas mãos, denominados "manuais", e outro constituído por teclas grandes para ser tocado pelos pés, denominado "pedaleira".
Inicialmente, a produção do ar era assegurada por um fole que era operado por um ajudante, o foleiro. Actualmente, recorre-se a uma ventoinha eléctrica.
O ar enche o "reservatório" (ver imagem) e entra numa zona denominada "secreto", onde existem várias válvulas, os "sopapos", uma para cada tecla.

Uma das riquezas tímbricas do órgão reside na possibilidade do executante seleccionar diferentes registos. Os registos são combinações/programações de tubos que este pode accionar através de botões e que fazem funcionar as "réguas" (ver imagem). Conforme a posição das réguas, o ar pode entrar em tubos diferentes.
Existem tubos "flautados", que possuem uma sonoridade doce, e tubos "palhetados" que possuem uma sonoridade mais agreste. Os tubos possuem dimensões muito diversas, podendo ir de poucos centímetros a alguns metros. Deste modo, alguns órgãos possuem grandes dimensões, sendo normalmente instalados em salas de concertos ou igrejas, integrando-se normalmente na arquitectura do edifício. Aliás, muitos dos tubos que se costumam ver nas paredes de algumas catedrais têm apenas uma função decorativa, havendo, para além deles, um complexo sistema de tubos que não está visível.

Na Península Ibérica, existe ainda um outro tipo de tubos denominado "trombetas ibéricas". Este tipo de tubos está virado para a frente, assemelhando-se a trompetes e pode observar-se, por exemplo, nos órgãos da Sé de Évora, da Sé de Braga ou na igreja de Santa Maria de Óbidos. É ainda importante referir a existência no Convento de Mafra de uma sala com 6 órgãos que possuem este tipo de tubos e que, após um longo trabalho de restauro, se encontram já de novo em funcionamento.
Infelizmente, muitas igrejas portuguesas não têm órgãos de tubos, havendo modelos electrónicos que simulam os registos e que também possuem dois teclados e uma pedaleira.

A peça que têm estado a ouvir é a célebre Toccata e Fuga em Ré menor de J.S.Bach. Esta obra, aqui na intepretação de Frederik Magle no órgão da catedral de Riga, explora justamente as alternâncias de registos, obrigando o executante a mudar frequentemente as mãos de um teclado para o outro.

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado. Não se esqueça de desligar a música de fundo no botão acima.

Poderão ver aqui uma outra versão desta peça, executada pelos nossos amigos bate-chapas que tão bem repararam aquele Opel Kadett:))) no ano passado, conforme tiveram oportunidade de apreciar neste post.

A propósito da Sinfonia nº40 de Mozart...

2006-07-05T20:06:00.000+01:00

...gostaríamos de vos apresentar a Srª. Dª. Ana, de apelido Crusa, mais familiarmente conhecida por Anacrusa :)

Excerto do 1ºandamento da Sinfonia nº40 de Mozart

Diz-se que uma peça musical se inicia em anacrusa (ou anacruse), quando esta não começa na primeira pulsação do compasso. Assim, antes do primeiro compasso existem uma ou mais notas.

No caso da Sinfonia nº40 de Mozart, a peça começa com um acompanhamento de alguns segundos antes de se começar a ouvir a melodia. Para o que nos interessa, vamos analisar apenas a melodia. Esta, em vez de começar na primeira pulsação de um compasso, começa com duas notas e só a terceira nota é que corresponde ao início do compasso. É a esta técnica de composição que se chama "entrada em anacrusa".
No botão abaixo, poderão ouvir a melodia tocada ao piano com a marcação da pulsação. É fácil de ouvir as 2 notas que soam antes do primeiro click, ou seja, antes da primeira pulsação.

Esta técnica é muito utilizada, tanto na música Pop como na música erudita. Alguém se lembra de ter ouvido recentemente uma anacrusa? Esta senhora anda por aí... :)))

Continuação do Concerto da Orquestra Filarmónica de Berlim - Waldbühne 2006

2006-06-28T23:33:00.000+01:00

A pedido da JE, aqui fica o Massenet, noutra magnífica interpretação da violinista Janine Jansen.
Mais abaixo, poderão ver ainda outro vídeo, com a peça Marcha Florentina op. 214 do compositor checo Julius Fučík (1872-1916). Resolvemos incluí-lo, porque é um dos momentos do concerto em que as imagens, onde não falta um parzinho de namorados:), demonstram bem o entusiasmo e alegria do público.

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Jules Massenet: Meditation da Ópera Thais para Violino e Orquestra

Julius Fučík: Marcha Florentina op. 214

Noch mal, viel Spaß! :)

Concerto da Orquestra Filarmónica de Berlim na Waldbühne - 2006

2006-06-23T18:41:00.000+01:00

Excerto da Suite para Orquestra Alladin do compositor dinamarquês Carl Nielsen (1865-1931)

Ainda não foi desta que organizámos a excursão a Berlim :)))), mas, para vos compensar, vamos fazer neste post a reportagem do concerto que teve lugar no passado Domingo, dia 18 de Junho.

Este ano, o tema do concerto foi "As Mil e Uma Noites", tendo assim sido apresentadas peças que de alguma maneira têm um carácter "exótico".
A Orquestra Filarmónica de Berlim foi dirigida por Neeme Järvi, um maestro estónio, actualmente director musical da Orquestra Sinfónica de Detroit e maestro convidado da Orquestra Filarmónica do Japão.
Como solistas, actuaram o soprano Marita Solberg, o mezzo-soprano Ingebjorg Kosmo e a violinista holandesa Janine Jansen, que nos interessa particularmente, pois é um excerto da sua excepcional actuação que poderão apreciar no vídeo abaixo. Para além desta peça, Introdução e Rondó Capriccioso op.28 de Camille Sant-Saëns, a jovem violinista interpretou também a Meditation da ópera Thais, para Violino e Orquestra, de Jules Massenet.

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Camille Sant-Saëns: Introdução e Rondó Capriccioso op.28

Lista completa do programa de 2006:
W.A.Mozart: Abertura da ópera O Rapto do Serralho
Carl Nielsen: Suite para Orquestra Aladdin op. 34
Nikolai Rimsky-Korsakow: Suite Sinfónica Sheherazade op. 35
Edvard Grieg: Suite Peer Gynt
Jules Massenet: Meditation da Ópera Thais para Violino e Orquestra
Camille Sant-Saëns: Introdução e Rondó Capriccioso op.28
Julius Fucik: Marcha Florentina op. 214
Paul Lincke: Berliner Luft

Para mais informações sobre os concertos anuais da Orquestra Filarmónica de Berlim na Waldbühne, poderão ver aqui o post dedicado ao concerto de 2005.

Viel Spaß! :)))))))

O que é uma cadência?

2006-06-15T20:35:00.000+01:00

Excerto da Fantasia em Ré menor K.397 de Mozart
Interp. Viktor

No próximo dia 21 de Junho realiza-se na Casa da Música do Porto um concerto de piano com Jorge Moyano que, no âmbito das comemorações dos 250 do nascimento de Mozart e dos 150 anos da morte de Schumann, interpretará as seguintes obras:

W.A.Mozart
- Fantasia em Ré menor K.397
- Fantasia em Dó menor K.475
- Sonata em Dó menor K.457

R. Schumann
- Papillons op.2
- Carnaval op.9

A próposito deste concerto, nomeadamente da primeira obra que consta do programa, lembrámo-nos de falar acerca da cadência.
No período clássico, era habitual existir, normalmente no final do 1ºandamento, uma secção denominada cadência, cuja função era permitir ao intérprete demonstrar as suas capacidades vistuosísticas. Assim, esta secção caracterizava-se por possuir notas rápidas, escalas e outras "habilidades técnicas".
Havia dois tipos de cadências: cadências escritas e cadências improvisadas. No primeiro caso, as notas eram determinadas na pauta pelo compositor, enquanto que no segundo caso aquele escrevia apenas a palavra cadenza, sem especificar concretatamente que notas deveriam ser tocadas, cabendo ao intérprete executar uma improvisação.
Verificava-se também que determinados compositores escreviam cadências para obras de outros compositores. Beethoven escreveu diversas cadências para obras de Mozart, como por exemplo, a cadência do primeiro andamento do célebre Concerto nº20 para piano e orquestra. Também diversos editores escreveram cadências que foram incluídas em obras de vários compositores. Assim, podemos encontrar no mercado várias partituras da mesma obra, com cadências diferentes ou mesmo sem qualquer cadência.

No botão abaixo poderão ouvir duas cadências (escritas) da Fantasia em Ré menor de Mozart.

Duas cadências da Fantasia em Ré menor K.397 de Mozart
Interp. Viktor

Esperamos que os interessados tenham comprado já o seus bilhetes, pois julgamos que neste momento estão esgotados. Para quem for ver, bom concerto! O pianista é excelente e quanto aos compositores, palavras para quê?:)))

An offer you can't refuse: os 12 violoncelistas visitam o Padrinho :)

2006-06-09T10:36:00.000+01:00

Finalmente, depois de tanta maintenance!
Como sabem pelos posts anteriores dedicados a este grupo, o conjunto Die 12 Cellisten der Berliner Philharmoniker efectuaram um espectáculo onde interpretaram temas de filmes célebres. Aqui vai mais um :))

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Para criar ambiência, uma “line” famosa da “Trilogia”:

Michael (speaking with the father of the girl he plans to marry, and after telling him that he's in hiding from some gangsters): Some people will pay a lot of money for that information; but then your daughter would lose a father, instead of gaining a
husband. :)))))

The Young Person's Guide to the Orchestra

2006-05-30T19:40:00.000+01:00

Estão a ouvir um excerto da peça The Young Person's Guide to the Orchestra do compositor inglês Benjamin Britten, composta sobre um tema do seu compatriota Henry Purcell. Com efeito, na sequência do último post, lembrámo-nos de que seria interessante continuar a observar os vários naipes da orquestra sinfónica e os respectivos instrumentos.

Imagem retirada do manual de Educação Musical 100% Música 5ºAno.

Como podem ver pela gravura acima, há 4 naipes de orquestra: cordas (em fundo amarelo), sopros de madeira (em fundo verde), sopros de metal (em fundo azul) e percussão (em fundo castanho). Indicaremos agora os instrumentos que compõem normalmente os vários naipes e o seu número habitual (referente a uma orquestra sinfónica actual). Para voltar a ouvir a secção correspondente a cada naipe, clique no botão respectivo.

Cordas:
Violino -20 (10 primeiros violinos e 10 segundos violinos)
Viola de Arco - 8
Violoncelo - 6
Contrabaixo - 3 a 4

Harpa - 1 a 2

Sopros de Madeira:
Flauta Transversal - 2
Oboé - 2
Clarinete - 2
Fagote - 2

Sopros de Metal:
Trompete - 2
Trompa - 2 a 4
Trombone - 2 a 3
Tuba - 1 a 2

Percussão:
Timbale - 2
Pratos - 2
Caixa de Rufo - 1
Bombo - 1

Devido à crise económica, espera-se que o número de instrumentos, das cerca de uma dezena de orquestras existentes em Portugal, seja drasticamente reduzido. Poderá saber mais informações acerca das futuras mini-orquestras no blog A Flauta de Pã :))). Para ver esse post, por favor, clique aqui.

Das Rheingold

2006-05-23T19:10:00.000+01:00

Einzug der Götter in Walhall (Entrada dos deuses no Valhala) da ópera Das Rheingold de Wagner

A propósito da divulgação de mais um espectáculo musical, desta vez a exibição da ópera Das Rheingold de Wagner, no Teatro Nacional de S. Carlos em Lisboa, resolvemos falar-vos sobre aquele compositor e sobre o ciclo de óperas ao qual Das Rheingold pertence.
Como sabem, R. Wagner foi um importante compositor alemão do período do romantismo que introduziu na ópera o conceito de leitmotif, ou seja, a associação de uma determinada melodia/harmonia a uma/várias personagens.

Poderão ler aqui, mais informações acerca da vida e obra de Wagner e aqui acerca de Bayreuth, um teatro especialmente concebido por Wagner, onde anualmente se realiza um importante festival de ópera.

Estão a ouvir Einzug der Götter in Walhall (Entrada dos deuses no Valhalla), um quadro da 4ª cena da ópera Das Rheingold. Como já referimos, ela faz parte de um grupo de 4 óperas, geralmente denominadas como A Tetralogia ou O Anel dos Nibelungos e que inclui as seguintes óperas, por ordem cronológica do enredo: Das Rheingold (O Ouro do Reno), Die Walküre (As Valquírias), Siegfried e Götterdämmerung (O Crepúsculo dos Deuses).

É a primeira destas óperas, Das Rheingold, que o Teatro Nacional de S.Carlos vai apresentar nos próximos dias 28, 29 e 30 de Maio e 1,2,3 e 4 de Junho.
Poderão ler aqui mais detalhes acerca desta ópera e do seu enredo.

Um post sobre Wagner, nomeadamente um post que inclua a peça que têm estado a ouvir, é muito adequado para falarmos acerca de dois naipes da orquestra: os sopros de madeira e os sopros de metal. Com efeito, na música deste compositor os sopros possuem uma importância fundamental. Wagner inventou mesmo um novo instrumento destinado às suas óperas, o qual é normalmente conhecido por tuba wagneriana.

De uma orquestra sinfónica ou filarmónica fazem parte os seguintes instrumentos destes naipes:

Sopros de madeira (do mais agudo para o mais grave)
Flautim, Flauta transversal, Oboé, Clarinete, Corne Inglês, Fagote e Contra Fagote.

Sopros de metal (do mais agudo para o mais grave)
Trompete, Trompa, Trombone e Tuba.

No início da peça, são muito fáceis de reconhecer os sopros de metal. Mais ou menos a meio, surgem os sopros de madeira que predominam durante algum tempo, até ao regresso dos metais, em fortíssimo, que a concluem.
Este tipo de peças caracteriza-se por ser construído da seguinte maneira: dois terços da peça correspondem a uma preparação para o auge e o terço final constitui o auge e o respectivo declínio. Esta estrutura, a chamada regra de ouro, basea-se no modelo matemático de Fibonacci que tem sido muito falado ultimamente, a propósito do livro e do filme O Código da Vinci.

Mais dos 12 magníficos ! :)

2006-05-17T13:05:00.000+01:00

No post do dia 25 de Outubro de 2005, já vos apresentámos este grupo constituído por 12 violoncelistas da Orquestra Filarmónica de Berlim. O grupo interpreta vários géneros musicais, inclusive músicas de filmes, conforme puderam ouvir no outro post. Deste mesmo ciclo, trazemos hoje mais dois temas. No segundo deles, os violoncelos são acompanhados pelo trompetista Till Brönner.

Basic Instinct 2 - dispensa apresentações:)

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Round Midnight - Filme de Bertrand Tavernier

Temos ainda mais gravações deste espectáculo, com temas de filmes como A Estrada ou O Padrinho, que tencionamos colocar regularmente.
Esperamos que fiquem tão entusiasmados quanto nós com as potencialidades deste maravilhoso instrumento:).

Vai um Shostakovich? :)

2006-05-09T23:56:00.000+01:00

(Para ouvir outra vez, carregar neste botão)

Valsa das Seis Peças Infantis op.69

Celebra-se este ano o centenário do nascimento dos compositores Fernando Lopes Graça e Dmitri Shostakovich. Para assinalar esta efeméride, realiza-se no próximo sábado, 13 de Maio, na Casa da Música no Porto um concerto pela Orquestra Gulbenkian, onde serão interpretadas obras destes dois compositores. Sobre Lopes-Graça falámos já no penúltimo post, iremos assim dedicar o post desta semana a Dmitri Shostakovich.

Estão a ouvir uma peça para piano que faz parte de ciclo de seis pequenos trechos didácticos, compostos entre 1944 e 1945. Já que estamos em maré de efemérides, podemos referir que esta valsa foi a peça que o pianista membro deste blog tocou na sua primeira audição no Salão Nobre da Academia de Amadores de Música em Lisboa, tornando aqui a reincidir... anos depois :))))))

Dmitri Shostakovich (1906-1975), acerca de cuja vida e obra poderão ler aqui, foi um importante compositor russo que se caracteriza por uma grande versatilidade, tendo composto desde música de filmes a concertos e sinfonias.
Seguidamente, poderão ouvir no botão abaixo a conhecida obra Abertura Festiva op.96, composta por Shostakovich em 1954. Trata-se de uma peça para orquestra imponente e triunfal, adequada à data que pretende celebrar, ou seja, os 37 anos da revolução de Outubro. Poderão ler aqui mais informações acerca desta obra.

Esperamos que, pelo menos os melómanos nortenhos, tenham a oportunidade de assistir a este concerto. :)
Para ver pormenores e adquirir bilhetes através da Internet, clique aqui.

La Zarzuela!

2006-05-02T20:20:00.000+01:00

Teresa Berganza

A Zarzuela, surgida no Séc.XVII e representada na corte do rei Filipe IV, no palácio homónimo, é um género musical tipicamente espanhol, semelhante à opereta. Geralmente, trata-se de uma obra em 1 ou 2 actos, de carácter satírico, cujo libretto era em grande parte improvisado. A Zarzuela teve o seu período áureo nos Sécs. XVII e XVIII, após o que caiu em desuso, tendo-se perdido muitas obras. No Séc. XIX, deu-se um renascimento deste género, com compositores como, por exemplo, Isaac Albéniz (1860-1909).

Sobre a história da Zarzuela poderão ler mais aqui.

La Revoltosa de Ruperto Chapí

Têm estado a ouvir a ária Cuando clava mi moreno da Zarzuela La Revoltosa, numa interpretação de Teresa Berganza.
Encontra-se abaixo informação vária sobre esta Zarzuela, estreada em Madrid em 1897, inclusive a sinopse completa.

(Para ouvir outra vez, carregar neste botão)

A sinopse está aqui.
(Quando abrirem esta página, reparem numa pequena foto à esquerda, onde se podem ver os pais do famoso cantor Placido Domingo).

A letra da referida ária Cuando clava mi moreno está aqui. Esta ária é cantada por Soledad, acompanhada pelas vozes e palmas do coro, que funcionam como uma espécie de leitmotiv desta personagem.

Seguidamente, poderão ver o dueto Por qué de mis ojos, cantado pelas personagens Mari-Pepe e Felipe e que na Zarzuela se segue à ária anterior.
A letra deste dueto está aqui.

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Maria José Moreno - Soprano
José Julián Frontal - Barítono
Orquesta Sinfónica de Galicia sob a direcção de Victor Pablo Pérez

E toca a cantar, olé! :))

O Resistente Fernando Lopes-Graça

2006-04-25T13:24:00.000+01:00

Em tempo de comemoração do 25 de Abril, pareceu-nos adequado e de toda a justiça dedicar de novo um post ao músico português Fernando Lopes-Graça.

Estão a ouvir, Cantemos o novo dia, uma das Canções Heróicas deste compositor, com versos de Luísa Irene. Quem não ouviu já as seguintes palavras de Carlos de Oliveira, José Gomes Ferreira e João José Cochofel, respectivamente:

Não há machado que corte a raiz ao pensamento…
Vozes ao alto! Unidos como os dedos da mão…
Amor, já se aproxima a hora…

A primeira versão desta obra foi publicada em 1946 com o título Marchas, Danças e Canções - próprias para grupos vocais ou instrumentos populares, tendo sido apreendida pela censura, o que impediu que os poemas fossem ouvidos e cantados em espectáculos ou sessões públicas. Contudo, muitos resistentes continuaram a cantar estas canções em encontros clandestinos ou nos países onde se encontravam exilados. Em 1960, surgiu uma colecção mais alargada com o nome de Canções Heróicas, Dramáticas, Bucólicas e Outras. A nova edição destinava-se a celebrar o 50º aniversário da implantação da República e foi divulgada num meio muito restrito. Por fim, a versão definitiva ficou conhecida por Canções Heróicas (Cf. Instituto Camões).

Os musicólogos Rui Vieira Nery e Paulo Ferreira de Castro, no seu livro História da Música da colecção Sínteses da Cultura Portuguesa, salientam o carácter resistente e subversivo da música de Lopes Graça:
"Aos compositores portugueses das décadas de 40 a 60, colocavam-se, pois, três opções fundamentais: colaborar, com convicção, oportunismo ou resignação, nas realizações mais ou menos propagandísticas do Estado Novo; ousar de algum modo na obra e na atitude artística um gesto de contestação aberta ao regime e à sua orientação estética (positiva ou defectiva); ou, simplesmente, “compor para a gaveta”. Entre a primeira e a terceira atitude, integra-se a grande maioria dos músicos da época (em proporções variáveis de compromisso); a segunda foi quase isoladamente defendida por Fernando Lopes Graça, sem dúvida o mais obstinado representante, no campo musical, da resistência política e intelectual à ditadura (…)"

"(…) Os anos passados em Paris, em plena época do Front Populaire, revelar-se-ão decisivos para a sua formação ideológica e estética (…) Na época do seu regresso a Portugal (1939) encontram-se já delineadas as linhas mestras da sua linguagem composicional (…)"

"A obra de Lopes Graça pode considerar-se, historicamente, como a última tentativa, e sem dúvida a mais consequente, de concepção de um estilo musical “nacional”, por via de uma assimilação aprofundada do carácter idiossincrático da música rural tradicional (…) O seu tratamento do folclore situa-se assim nos antípodas da estética de António Ferro: a visão “música do povo” que transparece da sua obra distancia-se resolutamente de qualquer conceito romântico de bucolismo ou pitoresco (…)"

Influenciado por Béla Bartók, Ravel, Falla e Stravinsky, o compositor, ele próprio, numa entrevista concedida ao musicólogo Mário Vieira de Carvalho expôs nestes termos a sua posição: "Aquilo em que aposto é na liberdade (liberdade na responsabilidade) da criação, na possibilidade infinita de renovação da música, sim, mas à margem de dogmas e de falazes e de imperativos históricos (…)" (in Carvalho, Mário Vieira, O Essencial sobre Fernando Lopes Graça, Lisboa, Imprensa Nacional – Casa da Moeda, 1989).

Poderão ouvir aqui a canção Ronda. A gravação não está nas melhores condições, ouvindo-se algum ruído do disco de vinyl, mas decidimos inclui-la ainda assim, tendo em conta a sua beleza e significado.

Rádio Nostalgia :)

2006-04-24T20:55:00.000+01:00

Podem ouvir aqui a nossa colagem comemorativa dos 32 anos do 25 de Abril. Por ordem:
Paulo de Carvalho, Joaquim Furtado, José Afonso, Joaquim Furtado, Hino do MFA, Ermelinda Duarte e Sérgio Godinho.

Festival de Jazz de Valado dos Frades 2006

2006-04-20T17:55:00.000+01:00

A partir de hoje, vai ter lugar em Valado dos Frades (perto da Nazaré) a 9ª edição do Festival de Jazz desta localidade. Poderão ver a seguir o programa completo e para mais informações fica à vossa disposição o link para o site oficial do festival.
Amanhã, vai actuar o célebre músico brasileiro Edu Lobo acompanhado por um trio português. Julgamos que é um espectáculo a não perder.

Candeias - Edu Lobo

Programa:

Dia 20 - Quinta-feira - Estardalhaço Brass Band
• Sax Alto e Soprano - Mário Marques
• Sax Tenor – André Duarte
• Trompete – João Moreira
• Trompete – Tó-Zé Morais
• Trombone – Ruben Santos
• Trombone – Luís Cunha
• Sousafone – Sérgio Carolino
• Bateria – Luís Cascão

Dia 21 – Sexta-feira - Trio de Afonso Pais + Edu Lobo
• Voz e Violão – Edu Lobo
• Guitarra – Afonso Pais
• Contrabaixo – Carlos Barretto
• Bateria – Alexandre Frazão

Dia 22 - Sábado - Rodrigo Gonçalves “Tribology”
• Sax Alto – Llibert Fortuny
• Piano e Fender Rhodes – Rodrigo Gonçalves
• Contrabaixo – Nelson Cascais
• Bateria – Mário Barreiros.

Dia 27 – Quinta-feira – Sexteto de Tomás Pimentel
• Trompete e Feliscorne - Tomás Pimentel
• Sax Alto - Jorge reis
• Trombone - Luís Cunha
• Guitarra - Nuno Ferreira
• Contrabaixo - Yuri Daniel
• Bateria - Alexandre Frazão

Dia 28 - Sexta-feira - Marta Hugon Quarteto
• Voz – Marta Hugon
• Piano – Felipe Melo
• Contrabaixo – Bernardo Moreira
• Bateria – André S. Machado

Dia 29 - Sábado - Sexteto“Cuidado com Bobi!”
• Guitarra – Miguel Fevereiro
• Sax Alto – Jorge Reis
• Sax Tenor – João Cabrita
• Piano e Sintetizadores – João Cardoso
• Baixo – Tó Olivença
• Bateria – José Vilão

Habemus Sapo :)

2006-04-17T18:48:00.000+01:00

Em virtude do regresso deste nosso amiguinho, estamos a preparar um novo post que será colocado brevemente. Entretanto, fica aqui este cheirinho...

Beijinhos para todos e um obrigada muito especial à Aspasia pela sua prece. Parece que deu resultado :)

Aleluia!

2006-04-16T10:37:00.000+01:00

HALLELUJAH! for the Lord God omnipotent reigneth.
The kingdom of this world is become the kingdom of our Lord, and of His Christ:

and He shall reign for ever and ever.
KING OF KINGS, and LORD OF LORDS, HALLELUJAH!

Bom Domingo de Páscoa para todos :)

O Messias de Händel

2006-04-08T11:10:00.000+01:00

G.F.Händel

Como referimos no post de 22 de Março de 2006, era usual no Séc. XVIII os libretti das óperas e oratórias serem escritos, respectivamente, em italiano e latim. Referimos também que John Gay, com a sua The Beggar's Opera, introduziu uma ópera com texto em inglês, obtendo grande sucesso. Na sequência desta inovação, Georg Friedrich Händel (1685-1752), um compositor alemão nascido na cidade de Halle, mas que viveu em Inglaterra na corte dos reis George I e George II, compôs também a sua oratória o Messias com textos ingleses retirados da Bíblia do Rei James I.

Casa onde nasceu Händel, na cidade alemã de Halle

O Messias é uma oratória dividida em 3 partes. A estrutura da peça é a seguinte:
1ª parte - Profecias e Encarnação (Natal)
Vai dos números 1 a 21. Acaba com 0 coro: "His yoke is easy, his burthen is light".
2ª parte - Paixão e Ressurreição (Páscoa)
Vai do número 22 ao 44. Acaba também com um coro: o famoso "Aleluia".
3ª parte - Triunfo - (Pentecostes)
Vai do número 45 ao 53. Acaba com o coro: "Worthy is the lamb". Poderão ler o texto completo e ouvir este andamento mais abaixo.

Considera-se que os andamentos 1 a 18 são mais apropriados para o Natal, que os andamentos 19, 20 e 22 são andamentos de transição e que os restantes são adequados à Páscoa. Assim, esta obra tanto é normalmente executada no Natal como na Páscoa.

Têm estado a ouvir o andamento nº38, cujo texto completo é o seguinte:

How beautiful are the feet of them
that preach the gospel of peace,
and bring glad tidings of good things.
Epístola aos Romanos 10:15

Trata-se de uma ária para soprano e orquestra, neste exemplo interpretada por Arleen Auger, uma cantora norte-americana nascida na Califórnia em 1939 e falecida em 1993 na Holanda. A orquestra que a acompanha é a famosa "The English Concert" dirigida pelo não menos famoso maestro Trevor Pinnock e a gravação foi efectuada em 1988.

Como acima referido, poderão ouvir aqui o último andamento do Messias, um coro grandioso, cujo texto é o seguinte:

Worthy is the Lamb that was slain,
and hath redeemed us to God by His blood,
to receive power, and riches, and wisdom,
and strength, and honour, and glory, and blessing.
Blessing and honour, glory and power, be unto Him
that sitteth upon the throne, and unto the Lamb, for ever and ever.
Amen.
Apocalipse 5:12, 13

Cerca de metade do andamento é composta por uma fuga sobre a palavra "Amen". Em algumas edições discográficas, esta segunda parte é apresentada como um andamento independente.

Selo antigo alemão comemorativo dos 300 anos do nascimento de Händel.

Continuação do Cravo Bem Temperado e mais uma coisinha :)

2006-04-01T10:57:00.000+01:00

Estão lembrados dos sistemas de afinação anteriores ao "sistema bem temperado"? Sim, os tais com os nomes fáceis de decorar. Por curiosidade, aqui ficam então esses nomes: Pitagórico, Mersenne, Mersenne Pure, Silbermann, Werckmeister, Kirnberger, Neidhardt e Vallotti.

Neste botão, poderão ouvir mais uma peça da obra o Cravo Bem Temperado de J.S.Bach, desta vez, um conjunto completo composto por Prelúdio e Fuga, executado pelo famoso pianista Sviatoslav Richter. Atenção! O botão só toca depois do pretendente a ouvinte dizer em voz alta, cinco vezes, todos os nomes dos sistemas de afinação. Não faça batota. Terá de os saber de cor! :)))

Prelúdio e Fuga nº2 em Dó menor do 2ºCaderno do Cravo Bem Temperado.

E agora, especialmente para a IO, a resposta ao inquérito:

4 empregos

Gerente de uma perfumaria
Exportadora de ervilha torta, a sério:)))
Professora de inglês
Tradutora

4 sítios onde vivi
(diz vivi, portanto presumo que é passado)

Lisboa
Amesterdão
Cascais
Arredores de Palmela

4 filmes que posso ver sem conta
(impossível escolher só quatro filmes favoritos, mas se algum destes estivesse a dar na televisão seria capaz de pôr de lado o que estivesse a fazer para ir ver outra vez)

O novo cinema Paraiso
A vida é bela
O fabuloso mundo de Amélie
Qualquer um do Frank Capra, Billy Wilder ou Woody Allen

4 pratos favoritos

Sopas
Peixe grelhado
Mariscos em geral
Caldeirada

4 séries que nunca perco
(quando havia)

O Sexo e a Cidade
Britcom

4 websites

Alguns Blogs
Google
Várias páginas de escritores
ou sites sobre literatura

4 sítios onde gostava de estar agora

Num lago ou rio a nadar e/ou a andar de barco a remos
Deitada numa manta, nas margens de um lago ou rio depois ter estado a nadar e/ou a andar de barco a remos
Deitada numa espreguiçadeira a ler um livro num alpendre frente ao mar
A tomar chá e a conversar com amigos

4 vítimas
Decidi poupar as vítimas de que me lembrei, mas se qualquer dos amigos que habitualmente passa por aqui quiser responder...

Assinado: Pamina

O Cravo Bem Temperado

2006-03-28T23:45:00.000+01:00

J.S.Bach e três dos seus (muuuuuuuuuuitos) filhos

Estão a ouvir a Fuga nº2 em Dó menor de J.S.Bach (na versão para piano interpretada por Glenn Gould). Esta peça faz parte da obra conhecida como O Cravo Bem Temperado a qual possui dois volumes chamados cadernos. Em cada um destes cadernos, estão incluídos 24 conjuntos de Prelúdios e Fugas, correspondendo a todas as escalas maiores e menores existentes. Assim, cada "conjunto Prelúdio e Fuga" está composto numa tonalidade diferente. Como é lógico, o primeiro conjunto é em Dó Maior, o segundo em Dó menor e assim sucessivamente, percorrendo todos os 12 meios tons das escala. Como estes 12 meios tons tanto podem ser tonalidades maiores ou menores, temos assim 24 conjuntos x 2 cadernos = 48 conjuntos ou 96 peças musicais :))))

Porque terá Bach chamado a esta obra O Cravo Bem Temperado? Será que havia um cravo "mal temperado"? De facto, sim, havia. No início do Séc.XVIII, coexistiam diversos sistemas de afinação (com nomes muito fáceis :)) de fixar aos quais voltaremos noutro post), os quais afinavam primeiro algumas notas do cravo e depois outras notas intermédias, gerando intervalos puros (certos) numas notas e intervalos irregulares noutras. Assim, era possível tocar apenas em algumas tonalidades e não em todas. Em meados do Séc.XVIII, surgiu um novo sistema de afinação que dividia a escala em 12 partes exactamente iguais. Este sistema subsiste até hoje nos pianos modernos. Claro que nenhum dos intervalos é puro, mas antes um compromisso, de modo a que todas as notas soem bem.
Bach foi o primeiro compositor a escrever uma obra que tirasse partido deste novo método de afinação, provando assim aos seus contemporâneos mais cépticos que era possível tocar em todas as tonalidades.

Trabalho de casa: descobrir quantos filhos teve Bach:) Como alguns saberão, vários foram também compositores, nomeadamente, Carl Philipp Emanuel Bach, Wilhelm Friedmann Bach e Johann Christian Bach.

A Ópera do Malandro e seus antepassados

2006-03-22T10:40:00.000Z

A canção do Malandro cuja música foi composta em 1928 pelo compositor alemão Kurt Weill e a letra, como é conhecido de todos, por Chico Buarque em 1978. Com efeito, esta canção faz parte da obra A Ópera do Malandro do mesmo Chico Buarque, segundo as óperas The Beggar's Opera de John Gay e Dreigröchenoper (A Ópera dos Três Vinténs) de B.Brecht/K.Weill.

A primeira, acerca da qual poderão encontrar aqui informação detalhada, foi composta pelo inglês John Gay (1685-1732), um contemporâneo e concorrente de Händel, em 1728. Este último compunha óperas em italiano, até John Gay introduzir, com The Beggar's Opera, libretti em língua inglesa.

Kurt Weill e Lotte Lenya

No Séc. XX, o escritor B.Brecht retomou o tema na peça A Ópera dos Três Vinténs, cujas partes musicadas são da autoria de K.Weill. Note-se que a música não é uma adaptação da ópera de John Gay, mas totalmente original. Poderão encontrar aqui informação acerca desta peça e ouvir o original da canção do Malandro interpretada pela mulher de K.Weill, a actriz Lotte Lenya.

Tal como Kurt Weill, também Chico Buarque compôs música original para a sua obra (exceptua-se a já referida canção do Malandro). Para além disso, os diálogos e as letras das canções são também originais e não simples traduções do texto de Brecht. A acção decorre no Rio de Janeiro, ao contrário das outras duas obras cuja acção decorre em Londres. Poderão ler aqui uma sinopse do enredo.
Recentemente, esta peça esteve em exibição no Coliseu de Lisboa e vai ser apresentada de 23 a 25 de Março no Coliseu do Porto. Como despedida, deixamos no botão abaixo a versão completa (de quase 5 minutos) da canção do Malandro.

O Lied mais famoso de Schubert: O Erlkönig

2006-03-14T23:45:00.000Z

Até agora já falámos muito de ópera, música de câmara, peças para piano, até mesmo de sinfonias, mas não tinhamos ainda focado este género musical. O Lied (à letra em alemão = canção) surgiu no final do período barroco, tendo atingido o seu auge no romantismo, com Schubert, Schumann, Brahms e Mahler.

O Erlkönig é originalmente um poema de Goethe que Schubert musicou para piano e voz, geralmente barítono. No vídeo abaixo, poderão, contudo, ouvir uma versão deste Lied para orquestra e voz (mezzo-soprano). A cantora Anne Sofie von Otter é uma das grandes cantoras líricas da actualidade, que tanto interpreta ópera, como oratória e Lied.

Para ver o texto do poema em alemão e numa tradução brasileira, poderão carregar neste link.

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Esperamos que apreciem o Erlkönig e... estão com sorte! Desta vez não há trabalhos de casa.:)))

Mais trabalho de casa! :)

2006-03-10T13:00:00.000Z

Como não estamos cá no fim-de-semana, não podemos colocar um novo post no domingo. Assim, fica já aqui hoje o novo trabalho de casa: descobrir onde estão as tercinas no Andante do Concerto nº21 para piano e orquestra de Mozart.

A excelente interpretação é do pianista Vladimir Ashkenazy.

Divirtam-se e bom fim-de-semana para todos. :)

O que é uma tercina?

2006-03-05T21:19:00.000Z

(Cena da ópera Aïda na Arena de Verona)

Todos terão certamente reconhecido esta música: a célebre Marcha Triunfal da ópera Aïda de Verdi. Perguntarão agora o que é que esta marcha tem a ver com o título e onde é que entram as tercinas. Com efeito, a melodia principal deste trecho inclui um ritmo particular ao qual se dá o nome de tercina.

A maior parte das composições é efectuada com base numa subdivisão binária, ou seja, dentro de cada tempo podem existir 2 notas (colcheia), 4 notas (semicolcheia), 8 notas (fusa) ou 16 notas (semifusa). Porém, um compositor poderá desejar, num determinado momento, dividir o tempo em 3 notas, contrariando assim a subdivisão mais corrente. Para o efectuar, será necessário colocar três notas, no lugar de duas. A qualquer alteração da subdivisão de um tempo dá se o nome de quiáltera. As quiálteras de 3 notas chamam-se tercinas.

Depois de explicado o que são tercinas, iremos ver agora onde estas se encontram na melodia escolhida. Para tal, criámos um pequeno exemplo, onde o piano toca a melodia, enquanto um instrumento de percussão executa as tercinas. Se desejarem, poderão contar 1,2,3,1, sendo 1,2,3 as 3 notas da tercina e o último 1 a chamada nota de apoio. Temos assim 2 tempos: 1 com a tercina e o tempo seguinte com a nota de apoio.

Exemplo audio:

Exemplo gráfico:

Trabalho de casa: descobrir durante a próxima semana músicas com tercinas. :)

Mais animais! :)

2006-02-26T20:40:00.000Z

A pedido da B', aqui ficam as Galinhas e o Final.

Boa continuação do Carnaval! :)

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Os animais também brincam ao Carnaval! :)

2006-02-21T19:30:00.000Z

Estão a ouvir "Os Fósseis", um andamento da peça O Carnaval dos Animais do compositor francês Camille Saint-Saëns. Tal como Mozart, foi um menino prodígio, tendo dado, pela primeira vez, um concerto de piano e orquestra com a idade de 1o anos. Para além de pianista e professor deste instrumento, foi também um exímio organista. Em 1871, fundou, com Romain Bussine, a Sociedade Nacional de Música. Enquanto compositor, destacam-se da sua obra a ópera Sansão e Dalila, a Sinfonia nº3 e a peça O Carnaval dos Animais que vamos hoje explorar.
Esta suite consiste num conjunto de 13 pequenos trechos e um final, todos dedicados a um animal ou a uma personagem diferente :

1. Introdução e Marcha Real do Leão
2. Galinhas e Galos
3. Animais velozes
4. Tartarugas
5. O Elefante
6. Cangurus
7. Aquário
8. Personagens com orelhas compridas
9. O cuco nas profundezas dos bosques
10. Pássaros
11. Pianistas
12. Os Fósseis
13. O Cisne
14. Final

Normalmente, quando esta peça é apresentada em concerto há um locutor que introduz os vários andamentos. Também no video abaixo, uma realização do canal Arte, existe um mestre de cerimónias muito especial :) que vai apresentando todas as personagens. Por razões técnicas, infelizmente não é possível colocar aqui a obra completa de uma só vez. Assim, esta semana poderão ver o 1ºandamento, composto pela Introdução e a Marcha Real do Leão.

E agora ficam entregues à bicharada. :)

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Nos 150 anos da morte de H.Heine: Die Lorelei de Heine/Silcher

2006-02-13T23:47:00.000Z

Die Lorelei

Ich weiß nicht was soll es bedeuten,

Daß ich so traurig bin...

Não sei o que significa

Eu, ai tão triste estar:

Lenda dos tempos antigos

Não sai do meu pensar.

O ar está frio, escurece,

E o calmo Reno flui,

O cume do monte resplandece

À luz do crepúsculo azul.

A mais formosa das virgens

No alto, no seu lugar

Fica, as gotas faiscando

Cabelos de ouro a pentear.

Penteia-os com pente de ouro

E canta uma canção

Que tem uma melodia

De misteriosa atracção.

O barqueiro em sua canoa

É presa no seu louco ansiar,

Ele não olha os recifes,

Só pro alto pode olhar.

Creio que as ondas tragaram

Barco e barqueiro, afinal-

E foi Lorelei quem fez isso

Com o seu canto fatal.

(Versão livre de Yonara Melo Vieira)

Depois dos 250 anos do nascimento de Mozart, celebra-se no próximo dia 17 de Fevereiro outra efeméride, os 150 anos da morte do grande poeta alemão Heinrich Heine (1797-1856).
Realizou-se recentemente num teatro de Hamburgo um espectáculo de homenagem a este poeta, transmitido pelos canais ZDF e 3Sat, no qual actuou um coro japonês, Man's Choir Japan Allstars, que interpretou uma versão do célebre poema de Heine, Die Lorelei, musicado por Friedrich Silcher (1789-1860). Este compositor foi discípulo de Carl Maria von Weber, director musical na Universidade de Tübingen e compôs mais de uma centena de Lieder. Existe um museu que lhe é dedicado, o Silcher-Museum, em Weinstadt-Schnait (próximo de Estugarda).

No vídeo abaixo poderão apreciar o referido Lied, no original.
Entretanto, têm estado a ouvir o 3º Estudo, op.10 de Chopin (1810-1849). Heine e Chopin têm em comum o terem ambos deixado as suas pátrias e vivido exilados em Paris. Sobre este compositor, Heine escreveu: "Chopin is a great poet of music, an artist of genius who can only be mentioned beside Mozart, Beethoven, Rossini or Berlioz."

Esperamos que gostem do canto da sereia. :)

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Die Lorelei - Man's Choir Japan Allstars

(Os posts com as composições continuam activos nos arquivos)

E mais uma compositora :)

2006-02-10T23:38:00.000Z

Luz

Sequência: 2 3 3 1
Instrumentos: harpa e violino

Mais compositores :)

2006-02-09T20:13:00.000Z

Aqui ficam mais algumas músicas:

A menina da lua

Sequência: 2 1 3 2
Instrumentos: flauta, harpa e cordas

Moon

Sequência: 2 4 3 4
Instrumentos: piano

António

Sequência: 2 2 2 2
Instrumentos: cravo e violino

Miguel

Sequência: 4 3 3 4
Instrumentos: piano e clarinete

E agora, toca a ouvir! :)

2006-02-05T19:20:00.000Z

Tal como prometido, vamos publicar as composições baseadas nas vossas opções e tocadas nos instrumentos que nos pediram.
Desta vez, estão a ouvir uma outra sequência que escolhemos (4 2 3 4), tocada da seguinte maneira: violino, oboé, vibrafone, orquestra de cordas (arcadas cruzadas) e orquestra de cordas (arcadas rápidas).
Agora, por ordem de entrada dos comentários, aqui ficam então as vossas músicas:

Wind

Sequência: 2 3 1 2
Instrumentos: piano e violino

Mi

Sequência: 2 1 4 3
Instrumentos: violino, viola e violoncelo

Ni

Sequência: 3 4 4 2
Instrumentos: piano, violino e clarinete

Andorinha

Sequência: 1 4 3 2
Instrumentos: piano e clarinete

Menina Marota

Sequência: 4 3 2 3
Instrumentos: piano, harpa e saxofone

Amélia

Sequência: 3 4 2 1
Instrumentos: como não deixou a sua escolha, optámos por trompete, trompas e tuba contrabaixo, porque ninguém tinha escolhido metais.

Agradecemos a todos a vossa participação. :)
Para a semana vamos comemorar outra efeméride, não necessariamente (só) musical.

Toca a compor! :)

2006-01-29T22:33:00.000Z

Praça Mozart em Salzburg

Como prometido na semana passada, vamos continuar a celebrar os 250 anos do nascimento de Mozart, apresentando um sistema de composição, inventado por este compositor em 1787, que se chama Musikalisches Würfelspiel, ou seja Jogo de Dados Musical.
Este sistema é muito complexo e permite milhões de diferentes combinações, conforme poderão ver neste site. Assim, criámos para esta ocasião uma versão simplificada que, ainda assim, possui 256 combinações.

A música que podem ouvir aqui não é de Mozart, mas foi composta por nós, utilizando a opção 1244. Depois de ter sido escolhida uma versão de cada secção, o conjunto das 4 foi tocado e gravado cá em casa, em flauta, violino e violoncelo.

O que vos propomos é o seguinte: cada leitor do blog fará a sua opção e indica-la-á num comentário, juntamente com a menção dos instrumentos que deseja ouvir (por exemplo: só piano, violino, piano e clarinete, flauta e orquestra, etc). Todas estas "composições" serão gravadas e publicadas na próxima semana.

Vejamos então em pormenor como funciona este sistema:
Existem 4 secções diferentes A, B, C e D. Em cada uma destas secções há 4 versões. De cada uma delas, escolham aquela que mais vos agradar, de forma a chegar a uma combinação de quatro números.

Secção A
Versão 1 Versão 2 Versão 3 Versão 4

Secção B
Versão 1 Versão 2 Versão 3 Versão 4

Secção C
Versão 1 Versão 2 Versão 3 Versão 4

Secção D
Versão 1 Versão 2 Versão 3 Versão 4

Relembramos que a música que estão a ouvir foi obtida através da seguinte combinação:
Secção A - Versão 1
Secção B - Versão 2
Secção C - Versão 4
Secção D - Versão 4

Assim, há ainda 255 combinações disponíveis. Claro que cada leitor poderá indicar mais do que uma combinação. Não se esqueçam de mencionar os instrumentos.

Esperamos que se divirtam :)

(Se tiverem algum problema ou alguma dúvida, por favor, enviem um e-mail ou escrevam nos comentários.)

Comemoração dos 250 anos do nascimento de Mozart

2006-01-23T19:34:00.000Z

Comemoram-se no próximo dia 27 de Janeiro os 250 anos do nascimento do compositor W.A.Mozart. Para assinalar esta data, estão planeadas para o ano de 2006 várias iniciativas em todo o mundo. A título de curiosidade, podemos referir que, por exemplo, em Salzburgo estão agendados, para além de grande número de concertos, também exposições, colóquios, congressos, programas especiais para crianças e até a inauguração de um novo edifício da Universität Mozarteum, uma escola superior de música e das artes do espectáculo.

Também gostariamos de nos associar a estas comemorações, em conjunto com todos os leitores deste blog. Assim, no próximo post (Domingo 29 de Janeiro), iremos apresentar um sistema de composição inventado por Mozart que permite a qualquer pessoa, mesmo sem conhecimentos de música, compor uma pequena peça musical e inclusive escolher os instrumentos que a executarão.
Depois de nos serem comunicadas as vossas opções, no fim de semana seguinte serão publicados os resultados finais, tocados com a simulação dos instrumentos que indicarem.

Alguns concertos irão assinalar esta efeméride na próxima semana. Indicamos os seguintes, em Lisboa e Porto:
Lisboa - Palácio Nacional da Ajuda - Domingo 29/1 - 17h - Sinfonias nº2 e nº36 - Orquestra Metropolitana de Lisboa
Porto - Casa da Música - Sexta-feira 27/1 - 21h30 - Sinfonia nº1 e nº41 (a primeira e a última sinfonias de Mozart)- Orquestra Nacional do Porto

No canto superior direito, poderão ouvir um excerto da Abertura da Flauta Mágica, a primeira música a ser colocada neste blog.
Para iniciar as comemorações mozartianas, resolvemos revisitar esta ópera, cuja sinopse poderão consultar aqui, apresentando uma ária da Flauta Mágica. Nesta cena do 2ºacto (Quadro 11 do link acima indicado), a personagem Pamina pretende suicidar-se, sendo dissuadida pelos 3 Rapazes (no link referidos como "Gênios" e no original como "3 Knaben").

A célebre cantora que poderão apreciar neste vídeo dipensa qualquer apresentação. Cremos que o seu rosto será facilmente reconhecido. :)

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Basics III - Os Andamentos

2006-01-15T23:33:00.000Z

Esta semana vamos voltar a abordar um dos aspectos essenciais da música, desta vez, os andamentos. A palavra andamento significa naturalmente a velocidade da pulsação de uma peça musical. De acordo com esta velocidade, existem designações, em italiano, para a identificar.
Partindo do andamento mais lento, os nomes mais utilizados são os seguintes: Largo, Adagio, Andante, Allegro e Presto.

Ao clicar no botão acima, podem ouvir um excerto da Suite nº1 - Arlésienne de Bizet, a qual apresenta alterações sucessivas de andamento: Allegro, Presto, Adagio e Allegro. Esta alternância não é muito vulgar dentro de uma secção musical sem qualquer paragem.
Para além do significado já mencionado, a palavra andamento pode referir-se também a cada uma das partes que compõem uma peça musical, como por exemplo, concertos, sinfonias, etc. (sobre o número de andamentos de uma sinfonia, por favor, ver o post de 17 de Outubro de 2005).
Seguidamente, poderão ouvir um exemplo de cada tipo de andamento:

Largo......
G.F.Händel - Excerto do Largo da ópera Xerxes

Adagio....
W.A.Mozart - Excerto do 2ºandamento do Concerto para Clarinete e Orquestra

Andante.
M.Mussorgsky - Promenade dos Quadros de uma Exposição

Allegro....
J.S.Bach - Invenção nº15

Presto.....
J.S.Bach - Badinerie da Suite nº2

Falta ainda referir que é possível haver alterações progressivas do andamento, num ou em vários momentos de uma peça musical. A isto chama-se Accelerando ou Ritardando, conforme se vá passando para uma maior ou menor velocidade, respectivamente.

Continuação da Carmen

2006-01-08T23:10:00.000Z

Como devem calcular, gostariamos muito de vos mostrar o espectáculo inteiro. Uma vez que isto não é possível, vamos apresentar esta semana mais uma ária, nomedamente a primeira parte da cena II do 2ºacto, a célebre canção do Toreador. Incluimos ainda um outro video, numa montagem efectuada por nós, de alguns dos melhores momentos desta encenação.
Mais uma vez, esperamos que gostem. :)

Para visualizar estes vídeos, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Ária do Toreador interpretada por Philippe Rouillon

Excertos de alguns momentos da ópera

(Por razões técnicas, a primeira parte deste post está nos arquivos, mas o video da semana passada está em funcionamento)

Como prometido, vamos à ópera: a Carmen no Festival de Bregenz

2006-01-01T23:20:00.000Z

Como já devem ter notado, existe neste blog um link para o site do Festival de Bregenz. Trata-se de um festival de ópera que se realiza todos os anos, no Verão, nesta cidade austríaca situada nas margens do lago Constança.

Neste festival têm sido apresentadas variados tipos de ópera, desde clássicos como a Flauta Mágica de Mozart, até obras de compositores contemporâneos, como por exemplo, em 1981, West Side Story de Leonard Bernstein e mais recentemente em 2001, Of mice and men (adaptada do romance de J.Steinbeck Ratos e Homens) do compositor americano Carlisle Floyd.
Uma das encenações mais avant-garde foi apresentada nas temporadas de 2001 e 2002, com a popular ópera La Bohème de Puccini.
Voltando ao tema específico deste post, em 1991 foi apresentada a ópera Carmen de G.Bizet, numa encenação de Jerome Savary com centenas de figurantes e Emil Ivanov e Marjana Lipovsek nos principais papéis.
Aproveitando as características físicas do local, pois o palco é construído sobre a água, foi possível apresentar cenas espectaculares, principalmente as que decorrem no acampamento dos contrabandistas. O cenário reproduzia imponentes penhascos com quedas de água. Estiveram presentes em cena 8 cavalos e foi especialmente construída uma maquette de um touro em tamanho real.
Esta encenação recuperou a tradição da inclusão de dança nos espectáculos operáticos, como era usual no Séc.XIX, tendo, neste caso particular, actuado em várias cenas, para além de um pequeno corpo de baile, um grupo de bailarinos de flamenco.

Como poderão observar, o palco foi construído em cima do lago que se vê no fundo da imagem.

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Poderão ver aqui a célebre ária Habanera. Para a semana tencionamos apresentar mais alguns momentos deste espectáculo. Esperamos que aprovem a nossa escolha e que gostem das cenas que seleccionámos.

Feliz Natal e um Próspero Ano Novo

2005-12-23T15:31:00.000Z

O nosso menino Jesus
Nasceu em Belém
Nasceu tão somente
Para querer o bem
Nasceu sobre as palhas,
O nosso menino
Mas a mãe sabia
Que ele era divino
Gloria, gloria in excelsis deo.

Gloria - A. Vivaldi

Agradecemos a todos as palavras de incentivo. Após umas pequenas férias, vamos todos à ópera no lago Constança:)

For unto us a child is born - Fuga coral

2005-12-15T20:10:00.000Z

Clique na imagem para ampliar

Podem ouvir aqui o andamento For unto us a child is born do Messias de G.F.Händel. Como poderão observar pelo gráfico acima, trata-se de uma fuga. Falámos já de fugas em dois posts anteriores. Para recordar, uma fuga é um tipo de peça musical que consiste num conjunto de entradas sucessivas de instrumentos ou vozes.
Passando então a analisar o gráfico:

Exposição:
A obra inicia-se com uma introdução instrumental. Seguidamente, ouve-se o Tema nos sopranos com o texto "For unto us a child is born". Depois, este mesmo Tema é executado nos tenores, enquanto os sopranos executam o Contratema, facilmente identificável pelas notas rápidas. Segue-se a Resposta nos contraltos e o Contratema Transposto nos baixos.

Desenvolvimento:
Com fundo verde estão marcados no gráfico os 4 episódios do desenvolvimento, os quais nesta fuga têm sempre o seguinte texto: "Wonderful, Counselor, The Mighty God, The Ever lasting Father, The Prince of Peace!". Antes de cada episódio, ouve-se o texto "And the government shall be upon His shoulder" que vai sendo executado por diferentes vozes, servindo de preparação para os ditos episódios.
Händel cria também um jogo entre as várias vozes, utilizando pequenos fragmentos, que se ouvem entre os episódiod, baseados no início do tema (cabeça do tema) e no final do tema.

Re-Exposição:
Contrariando as regras da fuga, não há uma execução final do tema e do contratema, mas sim uma coda instrumental que encerra a obra.

Nesta excelente intepretação da orquestra The English Concert, dirigida pelo maestro e cravista Trevor Pinnock, a intrumentação utilizada neste andamento é a seguinte:
- 6 primeiros violinos

- 6 segundos violinos

- 4 violas de arco

- 4 oboés

- 2 fagotes

- baixo contínuo (1 violoncelo e órgão)

Note-se que estes instrumentos são instrumentos originais (Séc.XVIII). Também o tipo de execução vocal e instrumental segue as normas da época. Por vezes, encontramos gravações do Messias tocadas ao estilo romântico, recorrendo a grandes orquestras e coros, o que na realidade não é correcto, segundo registos que chegaram até nós.

Basics II - As Dinâmicas

2005-12-04T23:14:00.000Z

Nas obras musicais há habitualmente alterações na intensidade do som. Assim, uma parte da peça pode ser tocada ou cantada com uma maior intensidade do que uma outra parte da mesma peça. A estas variações de intensidade dá-se o nome de Dinâmica.

Estão a ouvir o 1ºandamento, O Fortuna, da obra Carmina Burana de Carl Orff. Como podem verificar, este excerto é um bom exemplo da passagem de uma grande intensidade (fortissimo) para uma pequena intensidade (pianissimo). No final do andamento, voltamos à dinâmica de fortissimo.
Esta obra foi composta em 1937, pertencendo assim a uma época na qual já se exploravam todas as possibilidades das dinâmicas. Contudo, nem sempre foi assim.

No período barroco, as possibilidades de exploração de contrastes entre a intensidade dos sons eram muito menores, devido às limitações dos instrumentos musicais da época. Estes conseguiam poduzir sons em piano (uma pequena intensidade) e sons em forte (uma grande intensidade), mas não conseguiam executar sons em pianissimo, nem em fortissimo.
Os compositores do barroco utilizavam frequentemente nas suas obras a oposição entre forte e piano, sem haver crescendos (aumento gradual da intensidade do som) e diminuendos (diminuição gradual da intensidade do som).
Poderão ouvir aqui o 3ºandamento do Outono das 4 Estações de Vivaldi que exemplifica esta alternância entre forte e piano. Neste exemplo, encontramos, por vezes, até a mesma frase musical executada primeiro em forte e depois em piano.

No período seguinte, o período clássico, devido à evolução dos instrumentos, os compositores incluem já nas suas obras uma gama mais alargada de dinâmicas. Surge a possibilidade do fortissimo (por exemplo, início da 5ª Sinfonia de Beethoven) e do pianissimo (por exemplo, andamentos lentos dos concertos para piano e orquestra de Mozart).
Num dos primeiros posts, referimos o aguçado sentido de humor de Haydn. Em 1791, este compôs uma sinfonia, intitulada Sinfonia Surpresa, na qual brinca com a utilização das dinâmicas.
No início do 2ºandamento, ouvimos o tema, primeiro em piano e depois em pianissimo, quando de repente surge um acorde em fortissimo (daí o nome da sinfonia). Tecnicamente, trata-se de um sforzando, ou seja uma acentuação repentina.
Poderão ouvir aqui o início deste andamento da Sinfonia Surpresa de Haydn.

Percorremos assim as principais dinâmicas, segundo as várias épocas. Falta apenas dizer que na época do romantismo, houve uma maior utilização do crescendo e do diminuendo. Nas sinfonias de, por exemplo, Brahms, Bruckner e Mahler e em óperas de Wagner encontramos passagens onde podemos ouvir grandes crescendos e diminuendos que por vezes podem durar alguns minutos. Existe até uma peça totalmente construída sobre um crescendo, o famoso Bolero de Ravel que todos certamente conhecem.

Óperas portuguesas do Séc. XX - D.Duardos e Flérida de F.Lopes-Graça

2005-11-27T23:55:00.000Z

O Milho da Nossa Terra
Canção tradicional da Beira Baixa - Arranjo de F.Lopes-Graça
Coro da UTAD

A cantata-melodrama D.Duardos e Flérida de Lopes-Graça, baseada na peça D.Duardos de Gil Vicente, foi estreada no Teatro Nacional de S.Carlos em 30 de Dezembro de 1970, fazem portanto, muito em breve, 35 anos.
Esta foi a primeira obra deste compositor a subir à cena naquele espaço, coincidindo a sua estreia com o momento de viragem política apelidado de Primavera Marcelista. Esta mudança reflectiu-se também a nível interno do Teatro Nacional de S.Carlos com a nomeação de João de Freitas Branco para o cargo de director deste teatro, não obstante as divergências que o separavam do regime político então vigente. Como refere Mário Vieira de Carvalho, (1) este encontrava-se sob vigilância da polícia (Processo 3363-SR/45 da PIDE/DGS). Existiu assim por parte das novas chefias governamentais uma vontade de abertura a personalidades e reportórios outrora banidos pela administração salazarista.

É sobejamente conhecida a relação entre Lopes-Graça e a resistência anti-fascista que o levou à prisão em 1931. Foi nessa altura desterrado para Alpiarça e impedido de leccionar em qualquer instituição de ensino do país, curiosamente logo após ter sido aprovado para a regência da cadeira de piano no Conservatório Nacional.
Muitas das suas obras, nomeadamente as célebres Canções Heróicas, estavam proibidas pela censura. O compositor foi assim banido dos circuitos de produção, tal como é mencionado nos arquivos da PIDE/DGS (Processo nº2585/SR).
Este facto comprometia à partida qualquer representação de obras suas, especialmente num espaço tão simbólico para o Estado Novo como era o do Teatro Nacional de S.Carlos. Assim, a oportunidade de ver representada uma peça sua não podia ser desperdiçada pelo compositor que se inspirou num clássico da literatura dramática, a já citada peça D.Duardos de Gil Vicente.

Neste momento não estão a ouvir um excerto desta ópera, ao contrário do que seria de esperar. Com efeito, nem sequer existe uma edição em partitura desta obra. Quanto a gravações, poderá porventura existir algum registo nos arquivos da antiga Emissora Nacional, mas a obra também nunca foi gravada em disco.
O espólio de Lopes-Graça (os originais escritos pelo seu punho) encontra-se na Casa Museu Verdades de Faria, no Monte Estoril, recentemente reaberta ao público. Neste museu existe um grupo de trabalho que está a catalogar e a editar em computador a obra do compositor, mas a grande maioria das peças não está ainda editada, incluindo esta ópera.
Às edições efectuadas não têm corrrespondido livros de partituras publicados, pelo que não é possível adquirir numa livraria especializada, como seria desejável, o conjunto das obras completas de Lopes-Graça.

Esboço do cenário da ópera D.Duardos e Flérida efectuado pelo compositor

Durante o Séc.XX foi habitual a transposição para a ópera de autos vicentinos, como por exemplo o Auto da Barca do Inferno e o Auto da Alma pelo compositor Ruy Coelho e a versão a Trilogia das Barcas de Joly Braga Santos. Desta última existe uma gravação em video da RTP e a ela voltaremos num próximo post.
Lopes-Graça não realizou apenas a composição da músia, mas efectuou também um singular trabalho dramatúrgico, transformando consideravelmente o texto original, alterando o número de personagens e introduzindo até texto de sua lavra. Assumiu assim o duplo papel de compositor e de dramaturgista, com vista à criação de um espectáculo uno em que a música e a palavra formassem um todo.

1) VIEIRA DE CARVALHO, Mário, «Pensar é Morrer» ou o Teatro de S.Carlos na mudança de sistemas sociocomunicativos desde fins do Séc. XVIII até aos nossos dias, Temas Portugueses, Lisboa, 1992, Imprensa Nacional - Casa da Moeda

(Nota: Comemoram-se hoje os 50 anos da morte de Luís de Freitas Branco. Para marcar esta efeméride, está ainda a decorrer um festival dedicado ao compositor, conforme mencionámos no post do dia 2/11/2005. Não se esqueçam que ainda há mais um concerto em Novembro e outros dois na Primavera / Verão.)

Basics I - A Solmização

2005-11-20T22:00:00.000Z

Vamos hoje falar da nomenclatura das notas musicais. Porque se chamarão as notas dó-ré-mi-fá-sol-lá-si? A origem destes nomes está no seguinte hino litúrgico:

Ut queant laxis (primeiro nome do Dó)
Resonare fibris
Mira gestorum
Famuli tuorum
Solve polluti
Labi reatum
Sancte Ionnes

(Tradução: Ó São João, para que possam ressoar as maravilhas dos teus feitos com largos cantos, apaga os erros dos lábios manchados.)

O monge italiano Guido d'Arezzo (c.995-c.1050), ao reparar que cada verso deste hino começava na nota seguinte da escala, aproveitou a primeira sílaba de cada verso como ajuda mnemónica. A partir daqui, desenvolveu um método de leitura denominado Solmização e criou um processo de ensino das notas conhecido como Mão de Guido que consistia em atribuir a cada articulação dos dedos uma nota diferente. Assim, o professor virava a palma da mão para os alunos e, apontando para as várias articulações, ajudava os alunos a cantar os intervalos indicados.

Posteriormente, no Séc.XVII, o Ut passou a chamar-se Dó em homenagem ao papa João Batista Doni. Ainda hoje a primeira denominação é utilizada em França.
Nos países Anglo-Saxónicos e Germânicos as notas são normalmente identificadas por letras, embora na Inglaterra, EUA, etc. os dois sistemas convivam.
Assim:
C = Dó, D = Ré, E = Mi, F = Fá, G = Sol, A = Lá, B = Si (nos países Anglo-Saxónicos) ou H (nos países Germânicos).

Para além desta diferença, na Alemanha, são também outros os nomes utilizados para designar o modo Maior (Dur) e menor (moll).
Exemplos:
Português - Sinfonia nº40 em Sol menor de Mozart
Francês - Sinfonie nº 40 en sol mineur
Inglês - Symphony No. 40 in G minor
Alemão - Symphonie No. 40 g-moll

Podem ouvir aqui a canção Dó-ré-mi do filme Música no Coração. Como devem ter notado, em Inglês a nota Si é Ti. Esperamos que apreciem esta aula com a Maria :)

Ritmo

2005-11-13T19:08:00.000Z

A par da Altura (agudo ou grave), do Timbre (característica do som de um instrumento), da Forma (organização da peça musical) e da Dinâmica (forte ou piano), o Ritmo é um dos parâmetros da música.
Até ao Séc.XX, estava subjacente a qualquer peça musical um batimento regular constante, ao qual se dá o nome de pulsação ou tempo (posteriormente, alguns compositores começaram a diluir a noção de tempo, incluindo durações irregulares das notas nas suas obras).
A um conjunto de vários tempos (2, 3 ou 4) chama-se compasso. Dentro de cada compasso pode haver notas com durações diferentes ou até mesmo momentos de silêncio que se denominam pausas. À combinação de notas e/ou pausas de várias durações, chama-se ritmo.

Podem ouvir aqui a composição intitulada Tango Flamenco escolhida por nós porque permite exemplificar com facilidade dois tipos de organização rítmica: o ostinato e o contratempo.

Esquema do ritmo da peça Tango Flamenco

Como podem ver e ouvir, após a introdução há um ritmo que se vai repetindo sucessivamente. A este tipo de repetição chama-se ostinato. É fácil de verificar que, seguidamente, o ritmo se altera e ouvimos uma pequena sequência de contratempos.
Um contratempo é um ritmo constituído por uma pausa seguida de uma nota. Deste modo, a nota não é executada sobre o tempo, mas antes fora dele ou contra o tempo, daí esta denominação.

É possível executar uma peça musical sem qualquer melodia, utilizando somente ritmos. Para isto, nem sequer é necessário recorrer a instrumentos musicais tradicionais. O vídeo que se encontra a seguir, demonstra bem que qualquer objecto, mesmo um que à partida pareceria pouco adequeado para esta função, poderá servir para fazer música.

Grupo Fourschlag

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado. Não se esqueça de desligar a música de fundo no botão parar no canto superior direito.

Dadas as condições atmosféricas deste fim de semana, temos a certeza que todos terão um destes insuspeitos instrumentos musicais à mão. Esperamos portanto que aproveitem para criar as vossas composições. :))

Luís de Freitas Branco: nos 50 anos da sua morte

2005-11-02T22:28:00.000Z

Tem estado a decorrer em Lisboa, Cascais e Porto o Festival Luís de Freitas Branco que assinala o cinquentenário da morte deste compositor. Este evento é organizado a título gracioso por um outro compositor português, Alexandre Delgado e termina no próximo dia 30 de Novembro, com dois concertos extraordinários em Maio e Julho de 2006.

Estão a ouvir uma das Suites Alentejanas de L.F. Branco, peças que, segundo o seu filho, o crítico e musicólogo João de Freitas Branco, fazem parte da última "linha de força" existente na obra do seu pai. Voltaremos mais abaixo a esta classificação.

Luís de Freitas Branco (1890-1955)

Luís de Freitas Branco é um vulto maior no panorama musical português, justamente considerado o introdutor do modernismo no nosso país. O musicólogo Paulo Ferreira de Castro, na sua obra Sínteses da cultura portuguesa: História da música (escrita em conjunto com R.V.Nery) diz o seguinte sobre este compositor:
"Coube a Luís de Freitas Branco, simultaneamente compositor, pedagogo e musicógrafo e, em conjunto com Viana da Mota, uma das figuras mais importantes do panorama musical português na viragem do século, o papel de aproximar a música portuguesa das correntes estéticas europeias mais modernas da época."
Analisar pormenorizadamente a vida e obra do compositor excede o âmbito deste post. Podemos, no entanto, mencionar alguns dos aspectos mais relevantes.
L.F.Branco, para além de compositor, foi também professor, conferencista, crítico, investigador e autor de livros e ensaios, sendo referido pelo seu filho como tendo uma "personalidade brilhante, qualquer conversa era uma inesquecivel lição". A sua acção foi também muito importante no incentivo e ensino de outros músicos portugueses, tais como: António Fragoso, António José Fernandes, Fernando Lopes-Graça e Joly Braga-Santos, entre outros.
Enquanto compositor, foi extremamente inovador a nível estilístico, tanto pelo uso pioneiro da atonalidade em Portugal como também na utilização de novos intervalos melódicos e harmónicos e na politonalidade (várias tonalidades simultâneas), de que são exemplo as Variações Sinfónicas Vathek.
Como pedagogo, destaca-se a reforma que encetou no ensino da música no Conservatório Nacional de Lisboa.

Voltamos agora à divisão da sua obra, proposta pelo seu filho João de Freitas Branco, em 3 linhas de força:

a primeira partindo do poema sinfónico Depois de uma leitura de Antero e abrangendo quase todas as obras da primeira fase (ciclos de canções, Paraísos Artificiais, Vathek, Quarteto de cordas e Prelúdios para Piano);
a segunda compreendendo as obras de designação clássica (nomeadamente as Sonatas para violoncelo e piano e para violino e piano);
e a terceira a linha nacionalista, que deve por sua vez ser subdividida em duas. A primeira é influenciada, como já dissemos, pelo Integralismo Lusitano (poema sinfónico Viritato, de 1916), enquanto que a segunda reflecte o espírito da política cultural preconizada na reforma do Conservatório (Suites Alentejanas).*

*(Texto recolhido no livro História da Música Portuguesa de M.C.Brito e L.Cymbron)

Esperamos que muitos de vós tenham a oportunidade de assistir a estes concertos que percorrem a obra completa do compositor.

Links:
Festival Luís de Freitas Branco - Calendário
Cronologia da vida e obra de Luís de Freitas Branco (Projecto Nónio do Ministério da Educação)

O Violoncelo

2005-10-25T10:22:00.000+01:00

O violoncelo pertence aos cordofones que, como o nome indica, englobam os instrumentos em que o som é produzido através da vibração de uma corda, seja ela percutida (piano), beliscada (guitarra) ou friccionada (violino, viola de arco, violoncelo, contrabaixo, etc).
De uma maneira simples poder-se-á dizer que o violoncelo é uma viola de arco que se toca em posição vertical, pois devido ao seu tamanho (a caixa de ressonância possui cerca de 75 cm de comprimento) é evidentemente impossível colocá-lo no ombro. O violoncelo está afinado uma oitava abaixo (mais grave) do que a viola de arco e o seu arco é mais curto.

O violoncelo, sucessor da viola da gamba, surgiu no Séc. XVI, mas só no princípio do Séc. XVII ocupou um lugar de destaque, nomeadamente fazendo parte do Baixo Contínuo barroco. O Baixo Contínuo era um sistema de acompanhamento de outros instrumentos que incluia, normalmente, um instrumento de tecla (cravo ou órgão) e um instrumento grave (violoncelo ou fagote).
A partir do início do Séc. XVIII começaram a surgir obras para violoncelo solo. No período romântico, as possibilidades expressivas deste foram exploradas ao máximo, como por exemplo no Cisne do Carnaval dos Animais de Saint-Saënts.
Numa orquestra sinfónica, os violoncelos desempenham um papel muito importanto, tocando ora o baixo, juntamente com os contrabaixos, ora a melodia.

Nas orquestras filarmónicas o número de violoncelos ultrapassa muitas vezes uma dezena. Este é também o caso da Orquestra Filarmónica de Berlim, na qual tocam 12 violoncelistas. Estes violoncelistas juntaram-se e formaram um grupo denominado "Die 12 Cellisten der Berliner Philarmoniker", o qual foi recentemente distinguido com um dos reputados prémios Echo Klassik 2005 (encontram aqui a lista completa dos discos premiados este ano).
Seguidamente, poderão ver imagens da actuação deste agrupamento no espectáculo de entrega dos prémios Echo Klassik. O tema escolhido demonstra a enorme versatilidade deste instrumento que consegue reproduzir até a sonoridade da gaita de beiços.

Para visualizar este vídeo, deverá utilizar o Internet Explorer e ter o Windows Media Player versão 9 (ou superior) instalado.

Tema do filme Era uma vez no Oeste de Ennio Morricone

Alguns sites de interesse:

Wikipedia - Cello
The Cello Page

(Nota: Anna Netrebko e Rolando Villazon, protagonistas da versão da Traviata aqui apresentada, foram também distinguidos com um prémio Echo Klassik)

A Sinfonia

2005-10-17T23:12:00.000+01:00

Estiveram a ouvir o início do 1ºandamento, Allegro con brio, da 5ª Sinfonia de L. v. Beethoven. Claro.:) A maior parte das pessoas conhece esta peça e sabe o que é uma sinfonia. Contudo, esta palavra nem sempre tem tido o mesmo significado através dos tempos.
Este termo está normalmente associado à época do classicismo vienense, nomeadamente aos compositores Haydn, Mozart e Beethoven que constituem a chamada Primeira Escola de Viena e, posteriormente, a Brahms, Bruckner e Mahler, entre outros. Voltaremos a falar dos grandes sinfonistas, mas antes vamos então fazer uma breve resenha histórica deste termo.

A palavra Sinfonia surgiu no início do Séc. XVIII para designar três tipos de formas musicais:
- Um andamento dentro de uma Suite, uma Partita, etc. (Por ex. em Partitas de Bach)
- Uma peça para teclado, cravo ou órgão, a 3 ou 4 vozes (Por ex. Sinfonias de Bach)
- Uma abertura, tanto de Oratória como de uma Ópera (Por ex. na ópera Rinaldo de Händel).

Por razões técnicas, seleccionámos um exemplo, entre as formas musicais acima indicadas, nomeadamente, a Abertura do Messias de Händel. Este andamento, popularmente conhecido por Abertura, chama-se, na realidade, Sinfonia.

G.F.Händel - 1685-1759

1º andamento do Messias de Händel:
Sinfonia (Grave - Allegro moderato)

Estas aberturas foram ganhando sucessivamente importância e tamanho, até se tornarem peças autónomas. Em meados do Séc.XVIII, a sinfonia possuia 3 andamentos, passando rapidamente, com a Escola de Manheim (por ex. J.Stamitz e F.X.Richter) a incluir 4 andamentos. Este número de andamentos manteve-se, com algumas excepções, durante todo o período clássico (1750-1820).
Habitualmente, o 1ºandamento era rápido, um Allegro, o 2º era um andamento lento, Adagio ou Andante, o 3º um Minuetto e Trio e o 4º um Allegro ou um Presto. Os exemplos são evidentemente muitos, pois a maioria das sinfonias de Mozart segue este modelo.

Durante o Séc. XIX e início do Séc. XX, a sinfonia modifica-se relativamente a três aspectos:
- O Minuetto é substituido pelo Scherzo
- O número de instrumentos aumenta
- A extensão é maior, passando de cerca de 30 min. para mais de uma hora. Em várias sinfonias o número de andamentos aumenta de 4 para 5, noutras mantêm-se os 4 andamentos, mas estes têm várias partes, o que naturalmente aumenta a sua duração.

Como exemplos deste período podemos citar: a 9ªSinfonia de Beethoven, sinfonias de Mendelssohn, Bruckner, Tchaikovsky, Mahler, etc.
Deste último compositor apresentamos alguns excertos da Sinfonia nº5, pois ilustra bem as características acima referidas. Esta sinfonia, nesta versão interpretada pela Orquestra Filarmónica de Berlim sob a direcção de Claudio Abbado, é composta pelos seguintes andamentos:

Parte I
1. Trauermarch. In gemessenem Schritt. Streng. Wie ein Kondukt.
(Excerto do início)

2. Stürmisch bewegt, mit grösser Vehemenz.

Parte II
3. Scherzo. Kräftig, nicht zu schnell

Parte III
4. Adagietto. Sehr langsam

(Andamento completo)

5. Rondo-Finale. Allegro - Allegro giocoso. Frisch.

(Excerto do Final)

La Traviata: Continuação

2005-10-09T19:53:00.000+01:00

Tal como prometido na semana passada, vamos apresentar-vos mais alguns minutos da Traviata na encenação de Willy Decker. Desta vez, poderão ver o final do último acto, desde a entrada da personagem Germont (pai de Alfredo), interpretada pelo barítono Thomas Hampson, até à morte de Violetta.

Como sempre, desligue o som do canto superior direito antes de carregar no botão play.

Para uma visualização correcta dos videos desta página deverá ter instalado o Windows Media Player versão 10.
Se não conseguir visualizar os videos, por favor, tente carregar várias vezes no botão play. Se não resultar, envie-nos um e-mail.

Final do 4º acto da ópera La Traviata de Verdi

Seguidamente, apresentamos ainda algumas imagens dos ensaios, onde é bem visível a cumplicidade que se gerou entre os dois protagonistas. Poderão também ver o já referido mostrador de relógio gigante, sobre o qual Anna Netrebko e Rolando Villazón interpretam parte da cena XIV do final do 2ºActo.

Excertos dos ensaios

A propósito de outras encenações desta ópera, gostariamos de lembrar o famoso espectáculo apresentado em 1958 no Teatro Nacional de S.Carlos com Maria Callas e um muito jovem Afredo Krauss, cujo programa aqui reproduzimos:

Clique na imagem para ampliar

Referimos ainda a encenação de Franco Zeffirelli, também com Maria Callas, que inaugurou o Dallas Civic Opera na temporada de 1957/58 e ainda o filme realizado pelo mesmo Zeffirelli, com Teresa Stratas no papel de Violetta e Plácido Domingo como Alfredo. Trata-se de uma encenação completamente oposta, com cenários e guarda-roupa opulentos e à época, dos quais as imagens abaixo vos poderão dar uma ideia.

La Traviata no Festival de Salzburgo 2005

2005-10-02T23:46:00.000+01:00

No âmbito do Festival de Música de Salzburgo de 2005, foi apresentada a ópera La Traviata de G.Verdi, num total de 7 récitas, com encenação de Willy Decker e cenografia de Wolfgang Gussmann, tendo nos papéis principais Anna Netrebko (homepage de Anna Netrebko) como Violetta, Rolando Villazón como Alfredo e Thomas Hampson como Germont (no espectáculo do dia 16 de Agosto a ópera foi levada à cena com James Valenti no papel de Alfredo).

Como sempre, desligue o som do canto superior direito antes de carregar no botão play.

Parigi, o cara do 4º acto da ópera La Traviata de Verdi
Desde a entrada de Alfredo até ao beijo final, W.Decker soube jogar magnificamente na encenação deste dueto com a sensualidade da cantora Anna Netrebko.

Como poderão ver neste video, Wolfgang Gussmann concebeu um cenário despojado, quase isento de adereços, no qual se destaca ao fundo uma parede branca e um banco semicircular, disposto ao longo desta mesma parede. Toda a ópera decorre neste espaço, sendo apenas introduzidos, no início do 2ºacto, para marcar a mudança de local da acção vários sofás cobertos com panos floridos.

Uma das cenas mais espectaculares desta encenação tem lugar no final do 2ºacto. Trata-se da célebre cena na qual Alfredo, ferido pelo que julga ser a traição de Violetta, lhe atira uma bolsa com dinheiro para pagar os seus serviços e que aqui é representada pelos protagonistas deitados em cima de um mostrador de relógio gigante. Alfredo, em vez de atirar a tradicional bolsa, introduz à força notas na boca de Violetta.
Outra inovação desta encenação é a presença de uma figura quase estática, no espaço entre o banco e a parede, que simboliza a morte e que assume ao mesmo tempo o papel do Dr.Grenvil.

Os críticos Reinhard J. Brembeck do Süddeutsche Zeitung, Karl Harb do Salzburger Nachrichten e Manuel Brug do Die Welt foram unânimes em aplaudir este espectáculo. Contudo, trata-se certamente de uma versão polémica que, porventura, não agradará a todos os espectadores.

(CONTINUA PARA A PRÓXIMA SEMANA)

Suites Orquestrais

2005-09-25T22:15:00.000+01:00

De um modo conciso, poder-se-á dizer que uma suite é uma peça musical composta por vários andamentos de dança, típica do período barroco. Podemos encontrar a forma original da suite em livros de tablatura alemães e franceses do Séc.XVI. Estes incluem, habitualmente, a seguinte sequência de danças: passamezzo, saltarello, pavane, gagliarde ou pavane, gagliarde, allemande e courante. No Séc. XVII era costume formar grupos de danças do mesmo tipo. Deste modo, a peça podia ser constituída por várias pavanes, várias gagliardes, etc.

A partir de meados do Séc. XVII a ordem mais habitual tornou-se a seguinte: allemande, courante, sarabande e gigue. Entre a sarabande e a gigue eram por vezes introduzidos intermezzi tais como: minuetto, gavotte e bourrée. Outra novidade consistiu no aparecimento de um prelúdio no início da suite.
A suite para orquestra teve o seu auge no Séc. XVII na ópera e no ballet. Entre os compositores mais importantes de suite deste século, destacam-se Allegri em Itália, J.B.Lully e J.P.Rameau em França e M.Praetorius na Alemanha.

J.S.Bach elevou o género suite ao seu expoente máximo, não só através das suas célebres suites orquestrais BWV 1066-1069, mas também através das suas suites francesas e inglesas e das suas 6 suites para violoncelo.

J.S. Bach (1685-1750) com três dos seus filhos

Carregue no botão abaixo para ouvir a aria da Suite nº3 em Ré, BWV 1068 de Bach, que é composta pelas seguintes partes: ouverture, aria, gavotte, bourrée e gigue.

Nos botões abaixo, poderão ouvir, respectivamente, o minuetto e a badinerie da Suite nº2 em Si menor, BWV 1067 que é composta pelas seguintes partes: ouverture, rondeau, sarabande, bourrée, polonaise, minuetto e badinerie.

Todos os exemplos musicais são interpretados pela orquestra The English Concert dirigida pelo maestro Trevor Pinnock e foram cedidos pela Mi.

Minuetto

Badinerie

Juntamente com o Concerto Grosso, a suite permaneceu durante muito tempo a forma dominante de música orquestral, especialmente na Alemanha. Só em finais do Séc.XVIII esta forma foi substituída pela sinfonia.

The Last Night of the Proms 2005

2005-09-18T20:20:00.000+01:00

Realizou-se no passado dia 10 de Setembro no Royal Albert Hall o último concerto Promenade da temporada 2005. Como já vem sendo habitual nas últimas edições deste concerto, o espectáculo televisivo transmitido pela BBC incluiu, para além do programa apresentado no Royal Albert Hall, várias ligações em directo às cidades de Belfast, Swansea, Manchester e Glasgow, onde actuaram três grupos corais acompanhados por orquestra e um grupo de metais e percussão. Este ano foram celebradas duas efemérides: os 75 anos de existência da Orquestra Sinfónica da BBC, dirigida neste concerto pelo maestro Paul Daniel, e o centenário da composição da obra Sea-Songs de Henry Wood, o fundador dos concertos Promenade.

Como sempre, desligue o som do canto superior direito antes de carregar no botão play.

(Marcha de Pompa e Circunstância nº1 de E.Elgar)

"Land of Hope and Glory"

O programa do concerto teve por base uma temática marítima, manifestada na interpretação de obras de Walton, Lambert e Korngold. Pela primeira vez um contratenor - Andreas Scholl - actuou numa Last Night of the Proms, tendo interpretado obras de Händel e Purcell. O célebre guitarrista John Williams, para além de acompanhar Andreas Scholl, executou também obras de J.Rodrigo.

Como sempre, os momentos mais emocionantes da noite foram a execução, acompanhada pelas vozes público, das tradicionais peças Land of Hope and Glory, Rule Britannia e Jerusalem, sempre presentes na Last Night of the Proms. O concerto terminou com o Hino Nacional Britânico, seguido da canção tradicional Auld Lang Syne que o público costuma entoar com as mãos entrelaçadas.

Palco de Belfast - Danny Boy

Associação Musical da Pocariça

2005-09-10T00:06:00.000+01:00

Como vamos para fora uns dias não vai ser possível colocarmos um novo post no próximo Domingo, como vem sendo hábito. Assim, e , na sequência do post anterior, deixamo-vos como companhia a Banda da Pocariça. Sobre ela diz o seu maestro Jorge Paulo Margaça, as seguintes palavras:

“A Associação Musical da Pocariça foi constituída em Abril de 1914 com a designação de Associação Musical Recreativa da Pocariça, por iniciativa de um grupo de rapazes amantes da música.
(…)
Angariando sócios e organizado o respectivo Fundo Social por subscrição pública e outras receitas, não tardou que fosse contratado um Mestre de Música para tomar conta do ensino dos rapazes que haviam de constituir a Filarmónica, principal objectivo a que visava a Associação.
Em Julho seguinte, comprava-se o instrumental necessário e depois de meio ano de aprendizagem fazia a Banda a sua estreia em 1 de Janeiro de 1915, saindo para a Rua em Cumprimentos aos seus Benfeitores e à Terra.
(…)
Actualmente a banda é composta por 48 filarmónicos, na sua grande maioria jovens, com idades inferiores a 20 anos, dos quais 18 são elementos do sexo Feminino.
A Regência da Filarmónica, desde Abril de 2003, encontra-se a cargo do Prof. Paulo Margaça, coadjuvado pelo Prof. Ivo Figueiredo.
Evoca o Ilustre Pocaricense ANTÓNIO DE LIMA FRAGOSO, compositor, “Um génio feito saudade”, como motivo de exemplo e de entusiasmo para a nossa Juventude que encontra na Música e na sua Banda um grande veículo de inspiração.

Pocariça, Maio de 2004”

Esta aldeia do concelho de Cantanhede tem um lugar muito especial no nosso coração, pois nela nasceu o compositor acima mencionado, António Fragoso, cuja obra, tão pouco conhecida, tentamos divulgar.

O Sousafone, a Tinhosa e o Lingrin

2005-09-01T19:20:00.000+01:00

O nosso primeiro post depois das férias, é dedicado a todas as Bandas Filarmónicas que nesta época estival abrilhantam, um pouco por toda a parte, as festas nas vilas e aldeias. A maior parte destas bandas sobrevive apenas à custa de grande sacrifício pessoal e carolice dos seus membros. Todos eles, inclusive o maestro, recebem remunerações meramente simbólicas. Pode-se dizer que são um género de Bombeiros Voluntários da Música.

A Tuba e o Sousafone

O Sousafone é um instrumento de sopro de metal adaptado da tuba. Assim, iremos primeiro falar acerca deste instrumento.
A primeira tuba, propriamente dita, foi construída em 1835 por um alemão. Alguns anos mais tarde, apareceram instrumentos mais graves, de grandes dimensões, tendo o maior quase 2,5 m de altura e um tubo com cerca de 14 m de comprimento.
Devido ao enorme peso do instrumento, surgiu seguidamente uma tuba de marcha, com o pavilhão voltado para a frente e não para cima, que permitia a utilização por músicos de bandas tanto a pé como a cavalo.
A fim de obstar ao problema do tamanho, foram também criados, nomeadamente na Rússia, instrumentos com um tubo circular que passava à volta do corpo do executante. Em 1849, um construtor de Viena, baseado neste mesmo modelo, criou um instrumento denominado Helicon (do grego helikos=enrolado).

De acordo com as instruções do compositor luso-americano John Philip de Sousa, foi desenvolvido, no início do século XX, um instrumento baseado no Helicon que viria a chamar-se Sousafone, em homenagem a este popular compositor e regente de banda. O Sousafone possui um pavilhão destacável de grandes dimensões e é fácil de transportar enquanto se toca, pois enrola-se à volta do corpo. Tornou-se assim muito apreciado para a execução em marcha e é hoje considerado o instrumento americano de banda mais típico.

Fazem parte do reportório de muitas bandas filarmónicas as aberturas de duas óperas de Wagner, Tannhäuser e Lohengrin. Uma vez que estas palavras são difíceis de pronunciar, muitos músicos de bandas crismaram-nas afectuosamente com os nomes de Tinhosa e Lingrin.
A marcha The Stars and Stripes Forever de John Philip de Sousa é conhecida como a marcha das Tripas a Ferver. Clique aqui, para ouvir:

Pensamos que Wagner e J.P.Sousa estariam de acordo :)

E agora vamos pr'a banhos!

2005-07-28T20:17:00.000+01:00

BOAS FÉRIAS OU BOM TRABALHO

VENHAM ATÉ AQUI SEMPRE QUE VOS APETECER OUVIR UMA DAS NOSSAS MÚSICAS:)

Dance me to the end of love
Int. por Madeleine Peyroux

Ging Heut Morgen übers Feld
Lied de G. Mahler int. por Thomas Quasthoff

De quem dá
Mafalda Arnauth

------------------------------------------------------------

ODE À MÚSICA

(POEMA DE DAVID MOURÃO-FERREIRA - 1980)

I
É como se tivesses mãos ou garras
milhões de dedos braços infinitos
É como se tivesses também asas
libertas do minério dos sentidos
É como se nos píncaros pairasses
quando nas nossas veias é que vives
É como se te abrisses — ó terraço
rodeado de abutres e raízes —
sobre o perene pânico dos astros
sobre a constante insónia dos abismos
E é como se te abrisses e fechasses
sobre a antepalavra do Espírito
É como se morresses quando nasces
É como se nascesses quando expiras

II
Ó claridade Ó vaga Ó luz Ó vento
que no sangue desvendas labirintos
Ó varanda no mar sempre Setembro
Ó dourada manhã sempre Domingo
Ó sereia nas dunas irrompendo
com as dunas e o mar se confundindo
Ó corpo de desperta adolescente
já no centro de incógnitos caminhos
que por fora te aceitas e por dentro
pões em dúvida o sol do teu fascínio
Ó dúvida que avanças mas por entre
volutas de pavor que vais cingindo
Ó altas labaredas Ó incêndio
Ó Musa a renascer das próprias cinzas

III
Só tu a cada instante nos declaras
que renegas a voz de quem divide
Que a única verdade é haver almas
terrível impostura haver países
Que tanto tens das aves o desgarre
como o expectante frémito do tigre
tanto o céu indiviso que há nas águas
quanto o múltiplo fogo que há no trigo
Que és igual e diversa em toda a parte
Que és do próprio Universo o que o sublima
Que nasces que te apagas que renasces
em procura da límpida medida
Que reges o mais puro e o mais alto
do que Deus concedeu às nossas vidas

O musical The Producers de Mel Brooks ou Where did we go right?

2005-07-21T23:36:00.000+01:00

Este é o nosso último post antes das férias. Dedicamo-lo à actriz Anne Bancroft, falecida no passado dia 6 de Junho, companheira de Mel Brooks durante 41 anos.

Goodbye do Musical The Producers

A história deste musical é curiosa, pois habitualmente a versão teatral é anterior à versão cinematográfica. Neste caso, verificou-se exactamente o oposto. Em 1968 Mel Brooks realizou um filme com o mesmo nome, tendo o musical , com música e letras da sua autoria, sido posteriormente levado à cena apenas em Abril de 2001 (veja aqui o diário da criação).
Neste momento, está já pronta uma segunda versão do filme, intitulada The Producers: The Movie Musical, protagonizada por Matthew Broderick e Uma Thurman, cuja estreia está prevista para o início do próximo ano. Estamos assim em presença de um musical baseado num filme que, regressando às origens, volta a ser novamente um filme.
Em 2001, foi também editado um disco que nos conduz através dos principais momentos do musical e cuja aquisição aconselhamos vivamente.

Referindo-se ao filme e ao musical, Mel Brooks declarou com o humor que o caracteriza: "Sou o único judeu que conseguiu ganhar dinheiro à custa de Hitler". The Producers conta-nos a história do produtor da Broadway, Max Bialystock, e do seu ingénuo sócio, o contabilista Leo Bloom, que pretendem montar o maior fracasso teatral de sempre, a fim de evitar distribuir dividendos aos investidores. O plano era gastar apenas uma fracção do capital na produção e embolsar eles próprios o restante.
Começam assim à procura da pior peça de teatro e dos piores actores, coreógrafo e encenador. Ao conhecerem um nazi, autor da peça "Springtime for Hitler", julgam ter encontrado exactamente aquilo que procuravam, ou seja, um enredo que nunca poderia ter sucesso, especialmente na Broadway. Contudo, os planos saem-lhes furados, pois o espectáculo é tão ridículo que o público pensa tratar-se de uma sátira e este torna-se num enorme sucesso.
Max e Leo são presos por fraude. Na cadeia de Sing-Sing montam o espectáculo Prisoners of love e obtêm assim o perdão por terem, com as suas canções, "enchido de alegria o coração de todos os presos". Depois de serem libertados, os dois tornam-se realmente produtores de sucesso.

Poderão ouvir aqui a faixa Never say good luck on opening night.

Poderão ouvir aqui a engraçadíssima faixa Where did we go right. Neste caso, right is wrong e wrong is right.

Já que estamos em tempo de férias, porque não uma viagem a Nova Iorque para assistir a este espectáculo na Broadway?:) Boas férias para todos!

O Lago dos Cisnes de Tchaikovsky

2005-07-18T17:32:00.000+01:00

Na sequência do post anterior, vamos focar novamente um compositor russo, Pyotr Ilyich Tchaikovsky que, apesar de possuir uma vasta obra, é sobretudo conhecido pelo grande público como autor de música para bailado.
Não nos vamos alongar em grandes considerações, pois conseguimos obter um video cuja visualização valerá mil palavras. Trata-se de uma nova encenação do segundo quadro (Valse) do bailado O Lago dos Cisnes op. 20. , interpretada por dois bailarinos alemães, cuja coreografia reflecte, na suavidade dos movimentos, o carácter ultra-romântico da música de Tchaikovksy.

Como sempre, desligue o som do canto superior direito antes de carregar no botão play.

(Excerto do show "Auto, auto" de Christian von Richthofen e Stefan Gwildis )

Foi extinto o Ballet Gulbenkian

2005-07-10T22:24:00.000+01:00

No passado dia 5 de Julho, o Ballet Gulbenkian, criado em 1965, foi oficialmente extinto através de um comunicado do Conselho de Administração da Fundação. O programa Ritornello da Antena 2 assinalou, na última quarta-feira, esta triste data para todos os amantes da dança, apresentando uma emissão especial dedicada ao Ballet Gulbenkian. Nela foram transmitidas várias obras que aquela companhia de dança apresentou ao longo de quase 40 anos de existência.
Decidimos solidarizar-nos com esta iniciativa, focando hoje uma obra levada à cena, com grande êxito, pelo Ballet Gulbenkian: A Sagração da Primavera de I.Stravinsky. (Programa 1/ Programa 2).

Têm estado a ouvir o princípio do último andamento da Segunda Parte desta obra, Danse Sacrale. Este bailado é composto por duas partes, A Adoração da Terra e O Sacrifício. A obra foi estreada a 29 de Maio de 1913 no Teatro dos Campos Elíseos, tendo provocado nesta ocasião um considerável tumulto. Um ano mais tarde tornou a ser apresentada em Paris, desta vez com grande sucesso.

Informação sobre I.Stravinsky
Informação sobre A Sagração da Primavera
Informação sobre os Ballets Russes

No Século XX foi dado um passo muito importante na libertação do ritmo da "tirania" da barra de compasso, nomeadamente por Stravinsky que introduziu na sua música irregularidades rítmicas. Na Sagração da Primavera esta técnica pode ser mais facilmente identificada no 2º andamento da primeira parte, denominado Les Augures printaniers - Danses des adolescentes, que poderá ouvir aqui:

Por favor desligue o som no canto superior direito antes de carregar neste botão.

Ao ouvir o início do exemplo, tente efectuar a seguinte contagem, pronunciando o número 1 com mais força:
123456789 12 123456 123 1234 12345 123

O próprio Stravinsky, referindo-se ao ritmo nas suas obras, afirma o seguinte:
"Um dos principais problemas na execução da minha música é a marcação dos tempos. Uma peça minha pode sobreviver a quase tudo, excepto a um andamento errado ou inseguro (...) O problema da execução estilística da minha música é de articulação e de dicção rítmica. A nuance depende delas. Articulação é principalmente separação."

O compositor, durante uma entrevista conduzida por Robert Craft, ao ser-lhe pedido que desenhasse a sua música efectuou o seguinte esquema:

Robert Craft: Poderia desenhar a sua música recente? Por exemplo:

Igor Stravinsky: Esta é a minha música.
Esperamos que não seja necessário colocar um post para marcar a data de extinção da Orquestra ou do Coro Gulbenkian:)

Kinderszenen de Robert Schumann

2005-07-02T20:27:00.000+01:00

A obra Kinderszenen op.15 (Cenas Infantis) de Robert Schumann é uma das suas mais importantes peças para piano da sua fase inicial. Este ciclo, composto em 1838, é constituído por 13 pequenas peças que formam um todo homogéneo. É mesmo possível classificar esta obra como "Um tema com variações", apesar de Schumann não seguir o modelo clássico de Haydn ou Mozart (regras fixas sobre o modo como as variações são compostas), mas efectuar principalmente variações da melodia.
Existe nesta obra um tema principal que é apresentado na mini-peça nº1, Von fremden Ländern und Menschen, a qual poderá ouvir aqui:

Interpretado por Viktor

Todas as outras peças têm por base um de três motivos os quais, por sua vez, se baseam no dito tema principal.

Poderá ouvir aqui o tema principal tocado na mão direita (registo agudo) e seguidamente este mesmo tema tocado na mão esquerda (registo grave).

Por favor, desligue o som do canto superior direito antes de carregar neste botão

Embora este tema principal apareça de alguma forma em todas as mini-peças, o carácter de cada uma delas é completamente diferente, dado que todas são peças programáticas. Isto significa que estas pretendem descrever um estado de espírito, um objecto ou uma situação, tal como se de um quadro se tratasse.
Os títulos das 13 mini-peças são os seguintes:

1. Von fremden Ländern und Menschen / Acerca de países e pessoas estrangeiros
2. Kuriose Geschichte / História curiosa
3. Haschemann /Jogo da cabra-cega
4. Bittendes Kind /Desejo de criança
5. Glückes genug /Completamente feliz
6. Wichtige Begebenheit /Um acontecimento importante
7. Träumerei /Sonho
8. Am Kamin /À lareira
9. Ritter vom Steckenpferd /O cavalo de baloiço
10. Fast zu ernst /Quase demasiado sério
11. Fürchtenmachen /Assustar
12. Kind im Einschlummern /Criança a adormecer
13. Der Dichter spricht /O poeta fala

Poderá ouvir aqui a mini-peça nº7, porventura a mais conhecida, intitulada Träumerei.

Interpretado por Viktor
Por favor, desligue o som do canto superior direito antes de carregar neste botão

Neste link poderá ouvir excertos de todas as 13 mini-peças executadas pelo pianista Vladimir Horowitz (a primeira faixa do disco não pertence a esta obra).

Concerto Anual da Orquestra Filarmónica de Berlim na Waldbühne - Berlim, 26/6/2005

2005-06-27T02:08:00.000+01:00

Por favor, carregue no botão play para ver o video do final do espectáculo.

Realizou-se ontem o famoso concerto que a Orquestra Filarmónica de Berlim apresenta anualmente na Waldbühne (Wald=floresta/Bühne=palco) e que é habitualmente transmitido pela estação de televisão 3SAT.
Para os que não conhecem este espaço, a Waldbühne é um anfiteatro ao ar livre integrado numa grande zona verde, perto do Estádio Olímpico, com capacidade para cerca de 25.000 espectadores. Durante o Verão são realizados aqui vários concertos, dos quais aquele que teve lugar esta noite é certamente um dos mais populares.
O tema deste ano foi Eine französische Nacht (Uma noite francesa), tendo em anos anteriores havido já, nomeadamente, Uma noite espanhola, com direcção de orquestra de Placido Domingo, e Uma noite russa, na qual foi interpretado o Concerto para piano e orquestra de Tchaikovsky pelo famoso pianista Lang Lang.

Início do Carnaval dos Animais - Camille Saint-Saëns

O Cisne do Carnaval dos Animais - Camille Saint-Saëns
Durante este trecho o público, miúdo e graúdo, ficou hipnotizado.
O instantâneo do casal "menos jovem" é deste momento.

Por favor, não esquecer de desligar o som do vídeo antes de carregar nestes botões

O concerto começa às 20:15, hora local, ainda com luz do dia. Progressivamente, vai escurecendo, até que o concerto acaba já de noite fechada. O ambiente poder-se-á comparar ao do célebre concerto Last Night of the Proms inglês, embora seja menos esfuziante, excepto no apoteótico final no qual a orquestra toca, todos os anos, a peça Berliner Luft (que têm estado a ouvir) acompanhada pelas palmas do público.
Entre as bancadas e o palco existe um relvado, onde muitos espectadores se sentam em cima de mantas. É vulgar levarem também consigo bebidas e alimentos. Há sempre muitas crianças presentes, apesar do concerto acabar a uma hora na qual é hábito, na Alemanha, as crianças já se encontrarem a dormir.
Tudo isto contribui para tornar este concerto um espectáculo sui generis e demonstra que o formalismo de uma sala tradicional não é condição indispensável para a fruição da chamada música clássica.

Poderão ver o programa do concerto através desta link. De acordo com o tema da noite, foram tocadas peças de compositores franceses do final do século XIX e princípio do século XX. A orquestra foi dirigida por Sir Simon Rattle e como solistas actuaram as pianistas "irmãs Labèque". Foram apresentadas como encore, as peças Gymnopédie nº1 de E. Satie e a Danse Générale de Daphnis et Chloé de M. Ravel.

Que tal alugarmos um autocarro e irmos a Berlim, no próximo ano? Já se encontram abertas as inscrições:)

(A reprodução de imagens e sons efectua-se com intuitos meramente didácticos)

S.João Bonito

2005-06-23T23:33:00.000+01:00

São João, santo bonito,

bem bonito que Ele é, (bis)

com os seus caracóis d'ouro

e o seu cordeirinho ao pé. (bis)

Não há nenhum assim!

Pelo menos para mim...

Nem mesmo São José!

S.João Bonito - A.L.Ribeiro/F.Freitas

Se estes compositores fossem do Porto:), talvez tivessem escrito as seguintes peças numa bela noite de S.João:

A B C
D E

Antes de carregar nestes botões, por favor desligue o som do topo

Quem quiser participar numa pequena brincadeira, poderá resolver este puzzle e fazer corresponder o som à imagem do respectivo compositor.

A Fuga ou O Regresso da Teoria Pura e Dura - Parte II (The Sequel)

2005-06-19T16:17:00.000+01:00

Na sequência do post anterior, vamos prosseguir a nossa análise da peça Sicut locutus est. Já nos tinhamos debruçado sobre a Exposição (do início a 0:30) e agora, tal como prometido, iremos abordar o Desenvolvimento (de 0:30 a 1:06) e a Re-Exposição (de 1:06 até ao final).

Desenvolvimento:
Acabada a Exposição, começa o que se denomina por Desenvolvimento e que é normalmente constituído por Episódios intercalados por Entradas Intermédias. Nesta peça, o Desenvolvimento não se inicia com um Episódio, mas encontramos primeiro uma Entrada Intermédia e seguidamente um Episódio.
Entrada Intermédia:
Esta parte é caracterizada pela existência de entradas de tema e contratema por outra ordem que a da Exposição.
Nº de vozes: 2 a 5 (ver gráfico)
Episódio:
O Episódio desta fuga basea-se no início do contratema (cabeça do contratema) que corresponde ao texto "Abraham et semini ejus". Esta cabeça do contratema é cantada em todas as vozes simultaneamente e em vários tons, criando modulações (mudanças de tom). No final do episódio, algumas vozes cantam partes livres, com o texto "in secula", preparando o início da Re-Exposição.
Nº de vozes: 5 (ver gráfico)

Re-Exposição:
Nesta fuga a Re-Exposição inicia-se com os baixos, que cantam a resposta, acompanhados pelos contraltos que cantam o contratema. Seguidamente, os baixos cantam um contratema alterado (um pouco mais longo), enquanto as restantes vozes cantam a cabeça do contratema, levando-nos à cadência final.
Nº de vozes: 3 a 5 (ver gráfico)

Gráfico:

Para ampliar este gráfico, clique aqui

Decidimos colocar aqui outra interpretação desta peça, que entretanto obtivémos, pois achamo-la também muito interessante. Nesta versão, o coro tem menos elementos, tornando-se assim mais perceptível o percurso de cada voz.

Cedido pela Mi

A Fuga ou O Regresso da Teoria Pura e Dura

2005-06-14T08:13:00.000+01:00

Quando falámos sobre a Flauta Mágica, referimos que na Abertura desta ópera existe uma fuga e prometemos escrever, mais tarde, sobre este assunto. Posteriormente, recebemos alguns comentários onde era manisfestado o interesse por esta matéria. Decidimos assim dedicar este post e o post seguinte à fuga, antes de uma pequena brincadeira que estamos a planear para o fim de semana do S.João.
Não é um tema fácil de abordar, pois a fuga é decerto a forma mais complexa de todas. Já focámos anteriormente, a propósito de Charpentier, outra forma, neste caso o rondó. Para além da fuga e do rondó existem mais formas musicais que procuraremos também tratar em próximos posts.

A essência da fuga, consolidada enquanto tal no Séc. XVII, consiste na imitação. Já no rondó medieval existia imitação, através da repetição sucessiva do refrão. Posteriormente, na transição para o Renascimento, podemos encontrar uma forma chamada Caccia, na qual uma voz (neste sentido, a palavra voz não significa apenas a voz humana, mas também um instrumento) "perseguia" a outra, imitando-a. Esta estrutura foi desenvolvida no período barroco, dando assim origem à fuga.

Em linguagem simples, pode dizer-se que a fuga se basea num tema que vai saltando de voz para voz (na maioria 3 a 4 vozes).
A estrutura da fuga possui três fases: Exposição, Desenvolvimento e Re-Exposição.

Esta semana, vamos observar a primeira fase, ou seja a Exposição. Nela, existe o tema, a resposta e o contratema.
Escolhemos como fuga para a análise, o andamento "Sicut Locutus Est" do Magnificat de J.S.Bach, dado que é uma peça vocal, o que facilita a explicação.

Como em todas as fugas, esta peça inicia-se com uma voz, neste caso os baixos, à qual se vão juntar, uma a uma, as outras vozes, até que no final da Exposição há 4 vozes simultâneas.

Tema:
No início, o naipe dos baixos canta o tema, ou seja o texto "Sicut locutus, locutus est ad patres nostros".
Nº de vozes: 1

Resposta e Contratema:
Depois do naipe dos baixos ter cantado o tema, entram os tenores, cantando a resposta cujo texto é igual ao do tema, embora o tom seja mais agudo.
Enquanto os tenores estão a cantar a resposta, os baixos cantam o contratema, ou seja o texto "Abraham et semini ejus in secula".
Nº de vozes: 2

Tema:
Aos baixos e aos tenores, juntam-se agora os contraltos que cantam o tema, ou seja "Sicut locutus, locutus est ad patres nostros", uma oitava acima. Com a entrada dos contraltos, os baixos passam a cantar, o que se chama tecnicamente, uma parte livre e os tenores passam a cantar o contratema, ou seja "Abraham et semini ejus in secula", noutro tom.
Nº de vozes: 3

Resposta e Contratema:
Nesta altura, estão a cantar os baixos, os tenores e os contraltos, aos quais se vêm juntar os sopranos2 (nesta obra, os sopranos estão divididos em sopranos1 e sopranos2. Os sopranos1 não entram ainda) que cantam a resposta, ou seja "Sicut locutus, locutus est ad patres nostros", noutro tom.
Após a entrada dos sopranos2, os contraltos (que estavam a cantar o tema) começam a cantar o contratema, ou seja "Abraham et semini ejus in secula". Os baixos e os tenores cantam partes livres.
Depois dos sopranos2 cantarem a resposta (ver acima) cantam ainda o contratema, ou seja "Abraham et semini ejus in secula", no mesmo tom em que os tenores o cantaram. Enquanto os sopranos2 cantam este contratema, as outras 3 vozes cantam partes livres.
Nº de vozes: 4

E assim se conclui a Exposição (duração 30 seg.).
Esperamos que não tenham achado esta explicação muito confusa. É extramente difícil resumir em poucas palavras uma matéria tão complexa.

Na próxima semana, iremos focar o Desenvolvimento (de 0:30 a 1:06.) e a Re-Exposição (de 1:06 até ao final) e apresentar uma análise esquemática da peça (duração total 1:23).

Nota: Como foi referido no início, a palavra voz refere-se não só à voz humana como a qualquer instrumento. No caso de fugas instrumentais, continua-se a falar de várias vozes, apesar da peça não ser cantada.

(Existe um link, sobre fugas de Bach, colocado pelo aa no post relativo à Flauta Mágica)

In Memoriam: Eugénio de Andrade (1923-2005)

2005-06-13T17:34:00.000+01:00

Apesar deste blog ser, em princípio, apenas dedicado à música, não quisemos deixar de nos associar à homenagem de outros bloggers, deixando aqui este poema acompanhado pela magistral guitarra portuguesa de Carlos Paredes.

As Palavras

São como um cristal,
as palavras.
Algumas, um punhal,
um incêndio.
Outras,
orvalho apenas.

Secretas vêm, cheias de memória.
Inseguras navegam,
barcos ou beijos
as águas estremecem.

Desamparadas, inocentes,
leves.
Tecidas são de luz
e são a noite.
E mesmo pálidas
verdes paraísos lembram ainda.
Quem as escuta? Quem
as recolhe, assim,
cruéis, desfeitas,
nas suas conchas puras?

Eugénio de Andrade

Da música (enviado pela Mitsou)

2005-06-11T18:01:00.000+01:00

1 - Tamanho total dos arquivos no computador (apenas de música):
14,5 GB

2 - Último disco que comprei:
CD duplo dos Comedian Harmonists (Grupo alemão dos anos 30 composto por 5 cantores e 1 pianista. Com a subida ao poder dos nazis, o grupo foi proibido, porque parte dos elementos eram judeus.

3 - Canção que estou a escutar agora:
More than you know - Jane Monheit (gosto mais do que da Krall).

4 - 5 canções que oiço frequentemente ou que têm algum significado especial para mim:
Se a pergunta dissesse "música", a resposta seria obviamente diferente. Tratando-se apenas de canções, escolhi estas:

- Dance me to the end of love - Madeleine Peyroux (gosto muito desta versão da canção do L.Cohen)

- I wish you love - Chrissie Hynde (música da canção Que reste-t-il de nos amours de C.Trenet com letra em inglês. Devem ter ouvido no filme The eye of the beholder de Stephan Elliot)

- Valsinha - Chico Buarque

- Um Mitternacht - Lied sinfónica de G. Mahler - Janet Baker

- Avec le temps - Léo Ferré

5 - Lanço o testemunho a 4 bloggers:
Isto é que é mais difícil, visto que não posso enviar nem para a Andorinha, nem obviamente para a Mitsou.
Ao Portocroft (VAT69), que compõe música com as palavras.

Carregando aqui, poderão ouvir uma canção dos Comedian Hamonists, chamada Veronika, Der Lenz Ist Da, que foi o seu primeiro sucesso.

Carlos Seixas: um cravista e compositor português

2005-06-05T18:30:00.000+01:00

Nasceu em 1704 e viveu apenas 38 anos, José António Carlos de Seixas, o mais importante compositor português de música de tecla do Séc.XVIII.
Restam-nos da sua obra, que terá sido mais vasta, cerca de 105 sonatas para instrumentos de tecla e ainda 3 importantes peças que constituem casos ímpares na música portuguesa setecentista: uma Abertura em estilo francês, uma Sinfonia em estilo italiano e um Concerto para Cravo e Orquestra que é um dos primeiros exemplos do género em toda a Europa (Cf. Kastner, Carlos de Seixas, Coimbra, 1947).

Carregando no botão, poderão ouvir o final do Allegro e o Minuetto I da Sonata nº9 em Dó Maior para cravo de Carlos Seixas, uma peça que porventura muitos de vós já terão ouvido antes.
Contudo, mesmo os apreciadores de música antiga provavelmente nunca terão observado o interior de um cravo.
Existem vários tipos de cravo: italiano, inglês, francês e flamengo. Também em Portugal, principalmente durante o Séc.XVIII, foram construídos cravos ao estilo italiano. Recentemente, um destes cravos, do qual posteriormente falaremos com mais pormenor, foi restaurado pelo IPPAR e encontra-se em exposição no Museu da Música em Lisboa.

O interior do Cravo Italiano

A figura 1 mostra o instrumento sem caixa de ressonância nem cordas. A figura 2 representa o teclado e na figura 3 pode observar-se o suporte do plectro (a pequena saliência pontiaguda no topo) que serve para beliscar as cordas (ao contrário do piano, no qual as cordas são percutidas).

Os excertos desta Sonata de C. Seixas foram interpretados num teclado que, devido às maravilhas da técnica, reproduz fielmente o som do cravo. Talvez tenham notado um pequeno "click" no final de cada parte (isto acontece no final de todas as notas, embora seja mais audível nos finais de secção). Trata-se da reprodução do som que um cravo autêntico produz quando o plectro regressa à sua posição original, depois de beliscar a corda.

Conforme anteriormente mencionámos, existe no Museu da Música um exemplar raro da escola de construção de cravos nacional. Trata-se de um instrumento construído por Joaquim José Antunes em 1758 e que, nos últimos anos, foi utilizado por cravistas, tais como Rui Paiva, em várias gravações de peças de Carlos Seixas.

Links:

Biografia de Carlos Seixas

Museu da Música

O tema da pantera tem muito que se lhe diga

2005-05-30T15:00:00.000+01:00

Todos conhecem o tema da Pantera Cor de Rosa de Henry Mancini e muitos provavelmente saberão trauteá-lo. Parece ser uma peça simples, contudo a sua estrutura é mais elaborada do que, à primeira vista, se poderia imaginar.

Para ouvir a peça, por favor, carregue aqui:

Observem o seguinte gráfico:

Como podem verificar, trata-se de uma forma ternária (ABA), na qual a Secção B é constituída por uma improvisação, o que é típico de temas de Jazz.
A Secção A (que é repetida após a improvisação de modo ligeiramente diferente) tem várias sub-divisões. Encontramos, assim, uma forma ternária (quadrados vermelhos) e uma forma binária (quadrados verdes).
Nesta peça, a forma ternária possui uma coda, ou seja uma secção conclusiva. Na Secção A final, esta coda é ligeiramente mais extensa.

A análise acima exposta é, na minha opinião, a interpretação mais correcta.
Poder-se-ia argumentar que as partes c e d fariam já parte da Secção B, juntamente com a improvisação. Neste caso, as duas Secções A acabariam com a coda.
Contudo, considero que a oposição entre a forma ternária (quadrados vermelhos) e a forma binária (quadrados verdes) constitui uma unidade.
Na música Jazz é vulgar a primeira apresentação do tema (aqui Secção A) ser completa, podendo as restantes, posteriormente, surgir encurtadas entre várias improvisações.

Solução do Enigma Musical

2005-05-26T22:34:00.000+01:00

Trata-se da peça Abertura (ou Fanfarra) do Te Deum de
Marc-Antoine Charpentier (1634-1704) e a "alcunha" da Secção Mistério é naturalmente "Hino da Eurovisão".

Quem desejar ouvir a sequência completa, por favor, clique aqui:

Obrigado pela participação. Gostámos muito de receber as vossas reacções.

Forma Rondó e Enigma Musical

2005-05-22T19:00:00.000+01:00

O termo rondó data da Idade Média, apresentando nessa época a seguinte grafia: rondeau. Era utilizado para designar um andamento de dança. Durante o Renascimento manteve este significado, para além de poder já designar uma forma musical. A partir do Barroco, a palavra rondó passou sobretudo a identificar um tipo de organização musical chamado Forma Rondó cujas características iremos observar.

De certo já ouviram muitas peças musicais compostas nesta forma, sem disso se aperceberem. A Forma Rondó é caracterizada pela repetição de uma secção, intercalada por, pelo menos, 2 secções diferentes.
Observem as seguintes combinações:
A – B – A – C – (seguida ou não por outra secção A)
A – B – A – C – A – D – (também seguida ou não por uma secção A)

Qualquer destas secções pode ser repetida, formando, por ex., a combinação:
AA – B – A – C – AA

Grande parte das suites de Bach incluem um andamento em Forma Rondó, como por ex., a famosa Suite nº2 em Si menor, BWV 1067, cujo esquema é:
AA – B – A – C – A – D - A
Carregue para ouvir o 2º andamento desta Suite

ENIGMA MUSICAL

O nosso enigma é também uma Forma Rondó. Trata-se de uma obra litúrgica de um célebre compositor francês do período Barroco que compôs música para várias peças de Molière. Conforme acima indicado, existe nesta peça uma secção A que se repete, intercalada por uma secção B e uma secção C.

Vão poder ouvir as secções B e C. Quanto à secção A, é ela o nosso enigma. Asseguro-vos que já a ouviram centenas de vezes!
O esquema da peça é:
AA – B – A – C – A
Carregue para ouvir as secções B e C

O nome do compositor, assim como alguns dados sobre ele, e o nome da peça serão publicados nos próximos dias, juntamente com a sequência completa (não é muito longa).
O primeiro a descobrir a “alcunha”:) da secção A, receberá uma música ORIGINAL por e-mail.

A mais romântica de todas as óperas?

2005-05-15T19:28:00.000+01:00

“LA BOHÉME”, DE PUCCINI

É “romântica”, sentimental, mesmo piegas,
na opulência melódica de uma orquestração habilíssima,
em que não há recurso desonesto da escrita musical
que não seja usado para enternecer
ou para fazer sorrir um satisfeito sorriso triste
por conta da “tragédia” inevitável,
com vidas fáceis, muita miséria alegre,
o “quantum satis” de imoralidade, e o bacilo
de Koch, herói do Romantismo. Mas…
jamais se foi tão ao fundo da vulgaridade,
jamais se comoveu tanta gente dura com a realidade,
transformando-as em convenções tão líricas.
E jamais tão bem se anestesiaram as pretensões de gosto
com esta coisa tão simples
que é como que bondade,
como que tristeza,
como que morte,
e é uma fúria de fugazmente viver,
sensível, inútil, condenada,
mas que sempre pungente viverá nesta música.

E, quando cai o pano sobre a morte de Mimi,
mal sonha a maioria dos espectadores conspícuos
a que ponto, com a lágrima no olho,
pagaram a conta do café aos Marcelos e aos Rudolfos,
e compraram sapatos mais largos a Museta.
E isto faz que perdoemos a Puccini tudo,
e lhe concedamos o lugar que merece em nós
como o coração que perdemos, e ele,
sem vergonha e sem escrúpulos,
nos restitui.

26/7/1964
Jorge de Sena in Arte de Música

Julgo que não será necessário descrever detalhadamente o argumento da Bohéme. Quem não estiver bem dentro do assunto, poderá sempre consultar um dos inúmeros sites sobre ópera que facilmente se encontram através do Google.
Gostaria que ouvissem a célebre área de Mimi-“Si, mi chiamano Mimi”- e o dueto “O suave fanciulla”.

(Para situar a acção, apenas uns breves dados: Mimi, vizinha de Rudolfo, bate à porta deste porque a sua vela se apagara. Rudolfo convida-a a entrar e dá-lhe um copo de vinho para a reanimar, pois Mimi estava quase desfalecida. Ao levantar-se para sair, ela descobre que perdeu a chave. Rudolfo encontra-a facilmente, mas mete-a no bolso para ter um pretexto para reter Mimi. Então toca-lhe na mão, que está muito fria, e canta a área “Che gelida manina”, na qual faz a sua apresentação, e que termina com as palavras “Chi siete? Vi piace dirlo?”
Respondendo a Rudolfo, “Si, mi chiamano Mimi”, é agora a vez de Mimi se apresentar, dizendo o seu nome e falando da sua vida e gostos.
Seguidamente, os dois cantam o dueto “O suave fanciulla” e saem juntos, acabando assim o 1º Acto.)

A área começa com o “tema de Mimi”, que irá percorrer toda a ópera associado a esta personagem, e que se ouve durante os primeiros versos.
Depois, com a frase “mi piaccion quelle cose” ouve-se um novo tema de sabor oriental (atenção ao trilo de flautas seguido de um acorde mais forte).
Há depois uma pequena pausa, durante a qual Mimi faz uma pergunta “ Lei m’entende?” e recebe a resposta de Rudolfo “Si”.
Seguidamente volta o “tema de Mimi”, logo seguido por outro de carácter pastoral, apropriado à descrição que ela faz da sua vida simples.
Dá-se então o clímax da peça e volta-se a ouvir, por momentos, o tema oriental. A área acaba de um modo suave com duas frases faladas.

Área de Mimi interpretada por Maria Callas:

O dueto é baseado no tema já antes utilizado nas áreas anteriores.

Dueto “O suave fanciulla” interpretado pelo casal A. Gheorghiu/R. Alagna:

Link para o site de Angela Gheorghiu (pode ouvir-se no site a parte do clímax da Área de Mimi)

Última carta de António Fragoso

2005-05-05T21:30:00.000+01:00

Descobri a obra do compositor António Fragoso há cerca de doze anos, quando preparava a minha Prova de Aptidão Profissional do Curso de Piano que tinha como tema o reportório pianístico português do início do século XX.
Existe já uma link no blog com alguns dados biográficos e a gravação de duas peças deste compositor. Assim, e dado que a carta é longa, não me detenho mais e passo a palavra a António Fragoso:

A ESFOLHADA

Ao Fernando Botelho Leitão

Meu caro Fernando

As férias estão terminadas. Dentro de breves dias iremos novamente trabalhar, pró música, nessa complicada engrenagem da vida da capital, onde o nosso espírito se cansa, mas onde temos também os momentos de mais elevado prazer espiritual, aqueles que nos oferecem as audições das grandes obras dos grandes mestres da música, essa arte subtil e engenhosa que nós cultivamos com tanta fé e tão entusiástica paixão. E como vemos aproximar-se o dia em que temos de deixar aqueles que nos são mais queridos, fazemos esforços para nos divertirmos o mais possível, tentando assim esquecermo-nos por um momento da tristeza da vida de hoje que cada vez está sendo mais complicada e mais angustiosa, tais e tão graves são as doenças que dia a dia vão devastando impiedosamente o Corpo e a Alma do nosso pobre país.
Mas nós devemos encarar a vida com uma grande dose de filosofia positiva e por isso nos vamos divertindo à grande enquanto os males nos não batem à porta. De resto, como dizia o grande Fradique Mendes, “este mundo está superiormente organizado” e, por isso mesmo, cheio de compensações. Uns sofrem, outros riem: amanhã invertem-se os papéis e o mundo gira com a mesma velocidade e com a mesma fleuma!...
Ora foi filosofando fleumàticamente que as pessoas gradas que este ano têm veraneado na Pocariça, a tão hospitaleira e encantadora aldeia onde nasci, e onde ainda não chegaram senão os ecos das epidemias, puderam tomar para lema da sua vida de férias, aquele verso tão português do Burro do Sr. Alcaide que principia assim:
-“Viva a folia, dançar, dançar, etc...”
E, na verdade, a nossa vida, de há dois meses para cá, tem sido um constante e vertiginoso rodopiar, entre os passos lentos e tantas vezes cheios de ternura duma valsa de Berger, e os saltos ursinos e desengonçados dum fox-trot.
Ontem, porém, despimos a rabona de todos os dias, e vestimos a jaqueta dos homens de lavoura; as senhoras enfeitaram-se com as cores garridas de Viana do Castelo; e, descendo da sala ao campo, fomos dançar numa eira, ao som da guitarra e do harmónio, as danças tão simples e tão pagãs do nosso povo.
Tinha-se organizado uma esfolhada; como porém, o mês de Agosto já passou, tendo levado consigo o calor e a luz prateada do seu luar, a esfolhada teve de ser feita de dia, à hora em que o sol de Outono vai amarelecendo as folhas dos vinhedos que ainda há bem poucos dias levaram às adegas, em alegrias báquicas, a riqueza abençoada do seu suco. Sendo assim, ela não podia ter o encanto sugestivo daquela esfolhada minhota que Júlio Diniz nos descreve através da prosa tão simples e tão cheia de harmonia; mas teve, sem dúvida, o mesmo ar de alegria e de mocidade.
Estavam já todas as senhoras, lindas no seu traje minhoto, e alguns rapazes, procedendo à descamisa do milho, quando apareceram o Mário Vaz, o Manuel Pessoa e o Carlos, meu irmão, todos de calça branca e cinta escarlate, tocando ruidosamente o popularíssimo Zé P’reira. Podes calcular o barulho, a alegria esfusiante, os vivas e as palmas que eles provocaram. Depois houve cantigas ao desafio em que mais uma vez saltou, em rimas cheias de graça, a veia poética do Mário Vaz, a que a Armanda Pessoa respondia com aquela sua voz tão docemente timbrada; o Jorge e o Arnaldo Frota flirtaram; os felizes a quem a Boa-sorte fez chegar às mãos as espigas de milho-rei, regalaram-se de dar abraços; o Evaristo Pessoa mais uma vez pôde manifestar quanto é grande o seu talento para a arte de Niepce; os petizes fartaram-se de berrar, e eu...eu fiz o que pude!...
O sol escondia-se já por detrás dos pinheirais quando chegaram as criadas com papas de abóbora...Nova vozearia, novos vivas, novas palmas!...E, num instante, todo o grupo, agarrado à sua colher e ao seu prato, saboreava esse belo acepipe com um apetite digno de Pantagruel. A alegria faz fome, lá dizia não sei quem...e, na verdade, assim é. Foi só então que começaram as danças.
E os ecos puderam repetir ainda, à hora melancólica das Ave-Marias, as melodias alegres do Vira, da Caninha Verde, dessas danças tão caracteristicamente portuguesas que se cantavam na eira.
Nessa festa, nós pudemos sentir bem o que há de alegre e bom na alma do nosso povo; mas nem por isso deixou de ter o seu cunho de elegância e distinção.
Tive pena que cá não estivesses para nela tomares parte; que ao menos a minha pena tenha podido dar-te uma pálida impressão do que ela foi.

Teu amigo certo
A. Lima Fragoso
4/10/918
FRAGOSO, A. Lima, A Esfolhada, s.l., 1918, apud JORGE, Leonardo, António Fragoso - Um génio feito saudade, Rio de Janeiro, Livros de Portugal, 1968, pp. 93-95.

Nove dias depois estava morto. Trabalhava, então, na composição do segundo andamento de uma sonata para piano e violino que não conseguiu completar.
Nesse mesmo dia 13 de Outubro morreu também uma irmã de quinze anos e, ainda, no dia 15 outra irmã de dezanove anos e no dia 17 um irmão de dezoito. Dos cinco filhos do casal Lima Fragoso, apenas a filha mais nova, então com três anos de idade, recuperou da gripe-pneumónica.

NOTA: Existem poucos estudos sobre a obra de António Fragoso. Em 1968 foi publicado o livro acima referido cujo autor era filho de um médico da Pocariça que assistiu a família do compositor nesse Verão trágico de 1918. É um testemunho muito sentido de alguém que conheceu António Fragoso em criança, mas não é uma obra científica. De qualquer modo, é uma leitura interessante para quem se interessa pelo compositor. Pode consultar-se na Biblioteca Nacional. Julgo que já não se encontra à venda.

Haydn e os alunos do 6ºano

2005-05-04T16:08:00.000+01:00

Haydn (1732-1809) compôs mais de uma centena de sinfonias, entre elas a chamada Sinfonia do Adeus (Sinf.nº45 em Fá sustenido menor). Um dos manuais adoptados para o 6ºano inclui o relato da reivindicação laboral, como diríamos actualmente, que se encontra na génese desta obra.

Os alunos costumam achar esta história fascinante:
Haydn trabalhou na corte do príncipe Nicolau de Esterházy durante quase trinta anos. Estava obrigado a apresentar regularmente composições novas, de acordo com os desejos do príncipe, e também a cuidar dos instrumentos e a dirigir os cerca de vinte músicos da orquestra que, afectuosamente, o apelidavam de Papa Haydn.
No Verão de 1772, devido às numerosas recepções na corte a actividade musical era intensa, não permitindo a partida dos músicos para junto das suas famílias cuja visita ao palácio lhes parece também ter sido negada. Instalou-se assim o descontentamento entre eles, tendo Haydn expressado este mal-estar através do modo como a Sinfonia nº45 termina. No último andamento, os músicos deixam de tocar o respectivo instrumento e vão abandonando o palco um por um, até este ficar vazio. A táctica parece ter resultado, pois sabe-se que pouco tempo depois da estreia da sinfonia o príncipe e os músicos deixaram o palácio.
Os miúdos deliram com estas peripécias. Na sua imaginação, o príncipe assume evidentemente o papel do “vilão” que pretendia impedir os “bons” de verem as mulheres e os filhos. Quanto a Haydn, de acordo com o que escrevem nos testes, acham que este, passo a citar, “trocou bem as voltas ao príncipe mau”.

A ópera a Flauta Mágica e a simbologia maçónica do algarismo 3

2005-05-02T23:35:00.000+01:00

Em sintonia com a música de fundo, e sendo os autores grandes apreciadores de Mozart, o primeiro texto teria necessariamente que focar uma obra deste compositor, neste caso a ópera A Flauta Mágica.
Aqui ficam portanto algumas pistas que talvez vos ajudem a apreciar ainda mais esta obra. Como julgamos ser do conhecimento geral, a Flauta Mágica, composta por Mozart em 1791, reflecte as ideias maçónicas do seu criador.
No que diz respeito às referências ao algarismo 3, podemos enumerar os seguintes aspectos:

Existem 3 Templos: o Templo da Sabedoria, o Templo da Razão e o Templo da Natureza
A personagem Pamino tem se dirigir às 3 portas dos Templos
A Rainha da Noite tem 3 Damas de Honor
As personagens Tamino e Papageno são guiadas por 3 Rapazes
E LAST BUT NOT LEAST
Ouvem-se no início da Abertura 3 acordes
A ópera é composta na tonalidade de Mi bemol Maior (que tem 3 bemóis)

Relativamente ao ponto 5, não são necessárias grandes explicações. É fácil de verificar quando se ouve a Abertura que existem 3 acordes dos quais o 1º é tocado 1 vez e os 2º e 3º são tocados 2 vezes.
Exemplo- Acordes da Abertura da Flauta Mágica
1º- Os três acordes simples
2º- Os três acordes com as repetições
3º- O começo da Abertura tocado pela orquestra
Clique aqui:

(Aguarde o carregamento do ficheiro de som)

Quanto ao ponto 6, será talvez útil explicar o que é a escala de Mi bemol Maior, a fim de fundamentar a preferência do compositor.
Para poder explicar facilmente as características desta escala, começar-se-á por explicar o que é a escala de Dó Maior, pois esta é a Escala Modelo.

NÃO SE ASSUSTE MESMO QUE NUNCA TENHA ESTUDADO FORMAÇÃO MUSICAL! VAI VER QUE ISTO É FÁCIL E ATÉ É GIRO!

Escala de Dó Maior
Observe este diagrama das teclas do piano:

(Se não aparecer a imagem, carregue em Actualizar)

No teclado do piano, existem, alternadamente, grupos de 3 teclas pretas e de 2 teclas pretas. A tecla branca que fica à esquerda de qualquer grupo de 2 teclas pretas chama-se Dó. Entre os grupos de teclas pretas há 2 locais, entre 2 Dós, onde não existem teclas pretas, ou seja não há tecla preta da 3º para a 4º nota e da 7º para a 8º nota, se começarmos em Dó. Esta é a escala de Dó Maior.
Assim, quando se lê no título de uma composição que esta é em Dó Maior isto quer dizer que, se a peça for tocada ao piano, tal se pode fazer usando só as teclas brancas. Claro que as obras normalmente não se mantêm sempre na mesma tonalidade e há momentos em que passam por outras tonalidades. Quando isto sucede diz-se que houve uma MODULAÇÃO.
Poderá agora ouvir, como ex., uma canção infantil (na qual Mozart baseou um conjunto de 12 Variações- “Ah vous dirais-je Maman”- K 265) que está na tonalidade de Dó Maior.
Exemplo- Canção em Dó Maior
Clique aqui:

Sustenidos e bemóis
Como é óbvio, um compositor pode querer alargar a paleta de sons, incluindo na composição as notas correspondentes às teclas pretas. Indica-se isto na pauta, colocando o sinal de sustenido # ou de bemol b.
Se houver um sustenido, toca-se não na tecla branca correspondente a essa nota, mas na tecla preta que está à direita, ou seja o som fica mais agudo.
Se houver um bemol, acontece o inverso. Toca-se na tecla preta que está à esquerda da nota e, naturalmente, o som fica mais grave.

Escala de Mi bemol Maior
Para que esta escala, que obviamente vai de Mi bemol a Mi bemol, soe exactamente igual à Escala Modelo de Dó Maior é necessário colocar 3 bemóis, de modo a manter o intervalo de meio tom entre a 3ª e 4ª notas e a 7ª e 8ª notas.
Observe o seguinte diagrama da escala de Mi bemol Maior:

(Se não aparecer a imagem, carregue em Actualizar)

DE VOLTA À FLAUTA MÁGICA!
Desejando Mozart compor uma obra numa tonalidade onde o algarismo 3 estivesse presente, teoricamente, tanto poderia ter escolhido uma tonalidade com 3 sustenidos como com 3 bemóis. Optando por bemóis (provavelmente devido à instrumentação de sopro utilizada) e querendo compor no modo maior, escolheu assim a tonalidade de Mi bemol Maior (para além da Flauta, há outras obras de Mozart nesta tonalidade).
Como já foi acima mencionado, só uma peça muito simples será toda composta na mesma tonalidade.
Relativamente à Flauta Mágica, podemos referir que, para além da tonalidade de Mi bemol Maior, aparecem em variados momentos da obra outras tonalidades, como por exemplo, as tonalidades de Ré menor na celebre ária da Rainha da Noite, tonalidade esta associada em Mozart a sentimentos de medo e/ou vingança (é a mesma da cena da Estátua no fim da ópera Don Giovanni) e a tonalidade de Sol menor na ária de Pamina “Ach, ich fühls” do 2ºacto da Flauta.

E pronto! Se ainda não possui o disco, sugerimos que vá a uma conhecida loja de discos francesa ou à loja virtual iTunes adquiri-lo e depois se delicie com a audição desta magnífica ópera.
Com desculpas pela qualidade, deixamos aqui um pequeno aperitivo: um bocadinho da Fuga da Abertura (parte dela é a música de fundo do blog).
Clique aqui para ouvir:

E O QUE É UMA FUGA?
UMA FUGA É... NÃO FUJA, HOJE FICAMOS MESMO POR AQUI!

Pamina com assistência técnica de Viktor

Link sobre a Flauta Mágica e a Maçonaria:
http://freemasonry.bcy.ca/biography/mozart_a/TheMagicFlute.html

Bem-vindos!

2005-05-02T22:30:00.000+01:00

Ao decidirmos iniciar um blog sobre música, preferencialmente clássica (embora não só), imediatamente se nos colocou a pergunta: “Para dizer o quê?”
Com a quantidade de informação existente hoje em dia na Internet, é completamente supérfluo escrever textos que apenas forneçam dados sobre a vida e obra de compositores famosos. Pensamos que só focando aspectos mais específicos o blog poderá ter algum interesse.
Tenho notado que existe, especialmente numa faixa etária que frequentou o liceu numa época em que não havia qualquer disciplina de educação musical, uma grande curiosidade pela forma e estrutura musicais e o desejo de adquirir conhecimentos que permitam uma audição mais informada e consequentemente uma melhor fruição da música.
Por outro lado, demasiados textos técnicos poderão tornar o blog enfadonho. O desafio consiste, portanto, em conseguir encontrar o justo equilíbrio. Vamos procurar alcançá-lo.
Mais uma vez bem-vindos e esperamos que se divirtam!